Il m’arrive souvent de constater que les gens de génie, au bout de leur existence, sont punis par une maladie qui les touche, inexorablement, dans le point le plus vivant et essentiel de leur expression artistique.
Parfois, la nature se trompe, en privant par exemple Edward Hopper de l’ouïe au lieu de la vue ou de l’usage des mains, en lui donnant, pour ainsi dire, en échange, la possibilité de raconter à la postérité son étrange univers ouaté, sa vision « égarée » des rapports humains en deçà et au-delà d’un gouffre.
Même Homère, complètement aveugle, a pu tout de même développer sa dramaturgie poétique, apprenant et débitant par coeur ses édifiantes batailles, tandis que Tirésias, pour mieux regarder dans le futur, pouvait renoncer sans trop de tragédies à sa vue d’homme ou de femme.
Mais je ne pourrais jamais amoindrir le poids de la souffrance de Ludwig van Beethoven, frappé dans l’organe le plus important pour un musicien… ou de ce grand coureur des cent mètres qui finit sur un fauteuil roulant… ou d’Auguste Renoir, qui tomba de bicyclette, compromettant son épine dorsale tout en perdant progressivement l’usage de la main.
Certes, Renoir peignit jusqu’à la mort, tandis que Beethoven réussit à voir dans le noir de sa surdité les notes de sa neuvième symphonie, sans en perdre une mesure ni la moindre nuance.
Par contre, combien devait-il souffrir ce grand peintre italien du XXe, Carlo Levi, quand, devenu désormais aveugle, il essayait tout de même de laisser une trace de son travail interrompu, peignant à l’intérieur d’un filet suspendu au-dessus de la toile qu’il appelait « cahier en forme de grille » ?
D’autres grands hommes, comme Michelangelo Antonioni, ont dû passer les dernières années de leur vie dans un état de confusion ou d’absence, ayant perdu par le seul déclic d’une maladie invisible la force aiguë et inépuisable de leur raisonnement, de leur faculté d’inventer, de scandaliser, de renverser les paramètres donnés et finalement de transmettre une forme nouvelle d’art et de culture.

Pierangelo Summa : son génie généreux et clairvoyant marche avec nous

Pierangelo Summa a été l’un de ces génies uniques et extraordinaires dont le généreux parcours artistique a été interrompu par un mal sournois qui ne se borne pas à toucher un seul organe ou un seul sens, mais agresse progressivement tout le corps. Il était justement un artiste ayant dans le corps son primordial instrument de communication et d’expression : le corps humain dans ses élasticité et adaptabilité aux différentes actions ou émotions ; les corps en masque des marionnettes ou des pantins, plus ou moins élastiques ou sans moelle, qu’il réalisait de ses mains ou bien qu’il faisait revivre dans les corps d’acteurs vrais ou improvisés. En mettant en valeur la « seconde vie » de chacun de nous, c’est-à-dire la vie du corps, Pierangelo Summa a inventé et fait connaître un théâtre — « à l’envers » ou « à l’improviste » — où l’ancienne tradition de la « commedia dell’arte » italienne fusionne « dialectiquement » et « ironiquement » avec le théâtre engagé, depuis la tragédie grecque jusqu’à Jean Genet.

Créateur de masques et animateur de spectacles de rue par vocation spontanée, Pierangelo Summa a été sans doute un des chefs de file du mouvement théâtral italien des années 70, exploitant la plupart de ses activités artistiques en Lombardie, où une richissime tradition de chants et spectacles populaires trouvait un repère en des figures charismatiques comme Giorgio Strehler et Dario Fo, entre autres. Si la fameuse mise en scène de « Arlequin serviteur de deux maîtres » ne fut pas indifférente au jeune Summa, en raison de l’importance qu’on y accordait au rôle du masque, le « théâtre du mot » de Dario Fo, avec son formidable travail de récupération du mélange linguistique des dialectes de la vallée du Pô, devint le deuxième pôle de la formation du Summa plus mûr et ouvert au nouveau. Mais, il faut attendre un événement assez important, que j’appellerais crucial pour le développement organique du style le plus typique de la mise en scène théâtrale de Pierangelo Summa: son déplacement à Paris. Peut-être, la pleine conscience de l’importance dialectique et ironique du corps par rapport au masque et au mot n’aurait-elle eu un développement si prodigieux en lui si l’artiste ne s’était pas plongé à fond dans la culture française aussi que dans son vaste et stimulant univers théâtral.

Pierangelo Summa à Radio Aligre, Paris 2011

Pierangelo Summa et son frère jumeau, Massimo, ont grandi, étudié et travaillé à Como, mais ils font partie d’une famille originaire de Casalvieri, un petit village de la « Ciociaria » (en province de Frosinone) au sud de Rome, situé au beau milieu d’un paysage de montagne paisible et sauvage encore aujourd’hui. Donc, tous les étés, la famille Summa se rendait à Casalvieri pour y passer de longues périodes de vacances en pleine liberté. Vis-à-vis de la « ville » moyenne de Como, léchée de l’un de plus beaux lacs d’Italie, Casalvieri représentait la nature dans son état primitif, ancestral. Avec l’affection chaleureuse d’une belle famille traditionnelle, les frères Summa trouvèrent à Casalvieri leurs premières « fiancées ». De sa plus tendre adolescence, Pierangelo y rencontra Mirella, sa cadette de trois ans. Mirella, née à Paris, où elle vivait pendant le reste de l’année avec sa famille qui s’y était récemment installée, parlait depuis toujours un français parfait, sans accent, tout en étant parfaitement bilingue, sa mère lui ayant transmis l’italien et peut-être quelques phrases du dialecte de Ciociaria aussi. En été, l’appel de Casalvieri valait aussi pour la famille de Mirella qui ne manquait pas d’y accourir toutes les années.

Pierangelo Summa avec Patrizia Molteni de Focus In, Parigi 2011

Dès lors, Mirella a été la compagne de la vie de Pierangelo Summa. Pendant à peu près vingt ans, ils ont vécu à Como, où travaillaient tous les deux. Pierangelo, dans les heures libres de son emploi « alimentaire », fabriquait des masques magnifiques et montait des spectacles où le théâtre « improvisé » et le théâtre de rue s’ajoutaient aux exhibitions plus typiques des cirques, peuplées de mangeurs de feu et de funambules avançant sur des échasses. Mirella, la « mathématicienne » de la famille, suivait avec enthousiasme son mari en toutes ses initiatives théâtrales, en participant activement, entre autres, à un travail important et fouillé de récolte de chants traditionnels et de contes populaires en plusieurs réalités locales du Nord de l’Italie. En cette période, Pierangelo Summa fut chargé pour la première fois de la direction de la Fête di Isola Dovarese, qu’il remplira pendant des années. Dans ce village, pendant une semaine se succèdent encore aujourd’hui des spectacles théâtraux et musicaux avec d’autres attractions « improvisées ».

Le jour où Mirella rentra à Paris pour y travailler à l’université, Pierangelo la suivit avec leurs deux enfants Sara et Robin, en décidant de consacrer tout son temps à la mise en scène de spectacles théâtraux, avec l’intention d’y introduire des masques et des marionnettes empruntés à son riche univers fantastique.
Sans jamais interrompre les liens avec le monde fabuleux de son inspiration originaire, qu’il fit connaître et apprécier aux nouveaux amis français aussi, Pierangelo Summa découvrit à Paris et en France un contexte extrêmement favorable à ses interprétations originales des textes d’auteurs en eux-mêmes originaux. C’est le cas des « Bonnes » de Jean Genet. Une pièce que Summa a rendue encore plus provocatrice et explosive à travers le paradoxe du remplacement du personnage de Madame par un pantin-marionnette de taille humaine, qu’il avait fabriquée de ses mains.

C’est le cas aussi de Dario Fo… Pour cela, je peux me réjouir d’un souvenir personnel, remontant au dernier trimestre 2011. Sous la direction de Pierangelo Summa, ma fille Gabriella a interprété alors le rôle de Maria dans « Une femme seule » de Dario Fo au théâtre des Déchargeurs à Paris. Avec l’aide artistique et manuel de mon fils Paolo, j’ai participé moi même à cette expérience, réalisant tant bien que mal, selon les indications de Pierangelo, toujours claires et bienveillantes, les très simples décors qu’il avait conçus : deux ou trois encadrements vides, peints en rouge ; une espèce de « carreau suédois » destiné au bout de la scène ; un tabouret ; un téléphone gris avec le fil et finalement un pistolet jouet. Tout cela a été plus que suffisant…
Je ne peux pas oublier la voix de Pierangelo, ni son intense regard bleu céleste (« Piero » était-il un « Angelo » ?) capable d’écouter les autres, dissimulant son courage au-dessous d’une patine d’incessante ironie et auto-ironie.
À cette époque-là, notre metteur en scène combattait déjà avec le Parkinson, cette maladie qui se sert d’un nom presque amusant… et au contraire, hélas, se manifeste comme l’une des plus terribles tortures à endurer pour un être humain.
Pendant le spectacle de Gabriella, couronné au final par le succès et la reconnaissance de la critique, Pierangelo ne manquait jamais au rendez-vous : attentif, exigeant, parfois sévère, il était toujours souriant. Nous étions devenus amis. Il dit une fois, peut-être en raison de notre âge très proche, que j’aurais pu être pour lui comme un frère. Mais son affection allait surtout à Gabriella et à Paolo.
Après le spectacle, à cause de devoirs en grand nombre, et aussi pour des préoccupations et des deuils familiaux, on s’est perdus de vue.

J’allai avec ma famille au complet rendre visite à Pierangelo et Mirella Summa vers la fin 2014. Nous fûmes tous ravis de nous rencontrer, émus et contrariés en voyant sur le visage serein et indomptable de cet homme généreux les traces évidentes d’une aggravation de son état de santé. Malgré la fatigue et l’émotion, Pierangelo eut un mot affectueux pour chacun de nous. On réussit aussi à nous dire « cin cin » à l’italienne et aussi à « rencontrer » via Skype sa fille Sara, qui était en ce moment-là à Berlin.
Ensuite, Mirella se chargea de parler pour tout le monde, en nous racontant tout ce qui s’était passé et, en même temps, en nous transmettant fidèlement ce que Pierangelo aurait voulu, j’en suis sûr et certain, dire lui même. Mirella fit le récit du calvaire que son mari était en train de subir, mais aussi des extraordinaires activités artistiques qu’il avait su accomplir, avec la complicité de sa fille Sara, qui d’ailleurs avait admirablement joué dans ses dernières pièces tout en l’aidant aussi dans un autre projet plus important, lancé vers le futur… Il ne renonçait pas à transmettre, jusqu’au dernier souffle, son savoir courageux.

2015 a été une année épouvantable pour tous. Mais elle a été particulièrement cruelle avec Pierangelo Summa, que la maladie rendait de plus en plus faible en raison des difficultés croissantes de boire et de manger.
J’ai eu d’ailleurs l’impression qu’il ait été « laissé mourir » par les institutions hospitalières. Jusqu’au dernier instant, ce pauvre corps si difficile à diriger et à maîtriser aurait voulu vivre en paix, tandis que son âme sensible n’aurait désiré que les soins normaux qu’on adopte pour combattre la fièvre, la faim et la soif.

Pierangelo Summa à Radio Aligre, Paris 2011

Lors d’une des dernières hospitalisations à Paris, le fameux « protocole » qu’on établit pour « éviter des soins excessifs ou inutiles » pouvait se lire dans une phrase sur son dossier médical : « le patient Pierangelo Summa ne parle pas français ». Un faux qui servait de prétexte pour ne pas donner au malade, entre autres soins, une assistance psychologique quelconque.
Une telle attitude correspond peut-être à l’une des nombreuses préventions ancestrales qu’on ne peut pas discuter, comme les traditions orales ou les proverbes. Une idée reçue comme celle de renfermer deux Italiens dans la même chambre avec le préjugé qu’ils seront aussitôt amis et qu’ils s’aideront l’un l’autre. (Tandis que mon amitié réciproque avec Pierangelo, par exemple, est sans doute une exception à la règle qui dit le contraire…).
Pierangelo Summa vivait de façon stable à Paris depuis plus que trente ans, Paris étant une ville qu’il aimait et connaissait très bien même avant sa définitive installation. Donc, quand la psychologue, un peu récalcitrante, traînée par Mirella, se rendit à son lit, en lui disant :
— De quoi avez-vous besoin, monsieur Summa ?
Pierangelo avait immédiatement répondu, en parfait français :
— Je voudrais que quelqu’un m’aide à faire un pacte avec ce cerveau qui voudrait sortir d’ici par lui-même…
Tout le monde peut bien être d’accord au sujet de ce qu’on appelle « acharnement thérapeutique », mais sans renoncer à ce minimum d’humanité qui fait la différence : il suffirait parfois de très peu !

« Pierangelo Summa, sculpteur de masques et de marionnettes et metteur en scène, a fermé les yeux le mercredi 15 juillet 2015, a écrit Sara Summa, sa fille aînée, comédienne et metteuse en scène. Ceux qui l’auront connu savent que, désormais aussi léger que l’air, il reste avec nous pour toujours par tout ce qu’il nous a transmis, et que nous sommes chargés de cette force créatrice qui l’animait à jamais. »

Pierangelo Summa avec Gabriella Merloni, Paris 2011

Songeant aujourd’hui à cet ami qui a tant souffert, je reste abasourdi au souvenir des marionnettes à taille humaine de Pierangelo Summa que j’ai vues dans « Les Bonnes » de Jean Gênet et ensuite dans « Œdipe Roi » de Sophocle de 2012. Ces masques « mous » ou sans moelle, qu’on n’avait pas créés pour qu’elles demeurent debout comme des statues, mais qu’on traînait avant de les embrasser, malmener, accrocher au clou ou adosser au dossier d’une chaise… ces masques nés pour contester, renverser le sens escompté des choses, ils étaient, sans que leur créateur le sût jusqu’au bout, un présage presque surnaturel de ce qui serait arrivé à son corps. Son corps naguère sain et souple allait devenir de plus en plus taquin et incontrôlable avec la progression de la maladie. Métaphoriquement, il allait se transformer lui-même en l’un de ses « pantins humains ». Tandis que sa pensée, heureusement pour lui et pour tous ceux qui l’aimaient, demeurerait toujours nette, efficace, sereine, attentive jusqu’au dernier instant, toujours désireuse de cueillir chaque passage de cette merveilleuse occasion de découvrir quelque chose de beau qu’on appelle la Vie.
Si donc ce « vrai artiste » a été touché dans l’endroit le plus important pour le développement de son travail d’artisan et de maître — son corps, dont il s’était servi tout au long de sa vie pour « enseigner » aux acteurs en chair et os tout comme aux marionnettes, comment interpréter, « à l’envers », le mystère de la représentation théâtrale — on doit constater que son intelligence, intacte jusqu’au dernier jour, a su d’une certaine façon « se moquer » du corps même, renversant pour une fois la procédure qu’il avait créée pour son époustouflant « contrethéâtre au visage humain ».

Mirella Summa, Paris 2011

Dans le mois de novembre 2015, Mirella Summa a « emmené à nouveau » Pierangelo, symboliquement, d’abord sur les berges du lac de Côme — où tous les parents et les amis de Lombardie sont accourus, y compris les acteurs et les figurants d’Île Dovarese, pour saluer dans un esprit de fête, par une passerelle en masque, le sourire de cet homme extraordinaire — ensuite sur les montagnes de Casalvieri. Là-bas, tous les amis italiens et français ont fait revivre la voix inoubliable de Pierangelo, avec la représentation d’un extrait des « Géants de la montagne » de Luigi Pirandello, adapté et réalisé pour l’occasion, de façon vive et poignante, par Mirella Summa.

À présent, émus et égarés pour la perte d’un ami et d’un maître — qui avait le sourire insouciant et le regard perçant d’un guide, inspiré comme le Jésus qui riait de ses miracles de « L’Évangile selon Jésus » de José Saramago —, nous sommes attristés aussi par la conscience que volontiers nous aurions suivi Pierangelo jusqu’au bout du monde avec notre complicité tout à fait innocente, tandis que, hélas !, ce « chemin charmant » a été brusquement interrompu.
Quoi faire, alors ? Il ne nous reste qu’à œuvrer pour que l’immense et délicat travail de création et de réflexion de Pierangelo Summa soit rassemblé, protégé, étudié, reproduit et divulgué à tous les jeunes qui voudront suivre son chemin.

Giovanni Merloni

« Du carnaval au sacrifice, un rituel de mise à mort » : des « Bonnes » extraordinaires aux Déchargeurs

Théâtre « Les Déchargeurs » 3 rue des Déchargeurs, 75001 Paris. Métro Chatelet. Auteur : Jean Genet (1947). Mise en scène : Pierangelo Summa. Scénographie et marionnette : Pierangelo Summa, assisté de Jean-Pierre Benzekri et Camille Grangé. Avec : Mathilde Chouffot et Sara Summa.

« Du carnaval au sacrifice, un rituel de mise à mort. » Cette phrase poignante qu’on lit dans l’affiche du spectacle aux « Déchargeurs » de Paris exprime efficacement l’esprit de la pièce de Genet dans l’adaptation extraordinaire qu’en a fait le metteur en scène italien Pierangelo Summa. On souhaite donc qu’un vaste public aille la voir.
En commentaire de ce spectacle, on pourrait ajouter à cette phrase plusieurs « variations », comme « le carnaval dans le jeu de la vie et de la mort » ou bien « le carnaval comme réflexe du pouvoir de vie et de mort qu’un ensorcellement peut déclencher ». Ou, enfin, « le carnaval comme réflexe d’une aliénation extrême ».
Car ce mot « carnaval » synthétise plus que d’autres l’« esprit nouveau » dont Pierangelo Summa a fait un grand cadeau au théâtre « Les déchargeurs » et à son public : « j’ai voulu une scénographie simple, non réaliste, accompagnée d’un jeu poussé à l’extrême. Pour souligner l’aspect rituel de la pièce, les objets ont une fonction symbolique. Une balançoire évoque le “dehors”, tout le reste par contraste est “dedans” : les deux comédiennes jouent dans un espace qui les emprisonne et leur gestualité le souligne ».
Cette adaptation théâtrale de Summa des « Bonnes » de Jean Genet est très originale. D’abord, pour la maîtrise d’un espace théâtral assez contraignant, obtenue par cette scénographie « symbolique ». Ensuite, pour le choix de lancer deux jeunes comédiennes dans la mêlée de cette exploration « entre l’amour et la haine par les corps fondus-confondus où chacun joue l’autre » (Pierangelo Summa). Un choix important, qui emmène sur le plateau deux formidables actrices, qui ont su ajouter à la géométrie de la mise en scène la passion des corps et les nombreuses facettes de leurs âmes passionnées. Il suffit de se souvenir de Solange (Sara Summa) qui traverse, courant et haletante, cette exiguë boîte théâtrale dont elle voudrait briser les murs, pour comprendre un peu ce que ces deux jeunes femmes ont donné à la réussite de la pièce. Enfin la « marionnette à taille humaine, portée et manipulée par les deux sœurs ». Si Madame était du commencement de la pièce, un spectre, une doublure fanée de l’absence, cette « matérialisation » en gros pantin qui a besoin de quelqu’un pour vivre éclaircit le sens du jeu inexorable que lie Madame aux deux sœurs.
Grâce à ces trois niveaux — la maîtrise de l’espace symbolique ; l’hymne à la vie que les deux femmes encharnent ; les labyrinthes de la pensée que la marionnette encourage et multiplie elle-même — ce metteur en scène réalise une lecture parallèle : d’un côté la « trame meurtrière » ; de l’autre la description, éloignée et passionnée en même temps, des personnages et de leurs liens diaboliques. Cette lecture se traduit d’ailleurs en une pièce « ironique », décalée, se moquant un peu des côtés lugubres et désespérés qui sont quand même présents dans ce texte, qui a été trop souvent un « prétexte », en beaucoup d’autres mises en scène, pour tuer le théâtre au lieu de le faire vivre.
« Les bonnes » est occasionnée par un fait divers, réellement arrivé, le crime de Christine et Léa Papin. Ces deux sœurs, âgées de 28 et 21 ans, travaillaient dans une famille bourgeoise du Mans. En 1933, elles tuèrent sauvagement leurs patronnes, avant de leur arracher les yeux et de pratiquer une série d’actes horribles sur leurs corps et de se coucher dans le même lit.
La dimension surréelle de ce « drame criminel » — que Jean Genet publia une première fois en 1947 et une deuxième en 1958 — rencontre encore, même plus qu’auparavant, l’attention des metteurs en scène et l’intérêt du public.
Cela dépend d’abord de l’inquiétante actualité de l’homosexualité incestueuse des deux sœurs, qui fait depuis toujours l’originalité et le scandale de cette « pièce de l’inversion » et de « l’autodestruction ». C’est le jeu même du théâtre, le jeu de l’autre qui transforme le plateau en lieu de toute aliénation.

La pièce de Genet accompagne ce jeu avec une rigueur psychologique fort structurée et un symbolisme d’objets et de couleurs (le blanc, le rouge et le noir des robes), qui aide le spectateur, après réflexion, à reconstruire la trame profonde de cette œuvre. Cependant, l’originalité — et la difficulté — de cette pièce consiste surtout dans son indétermination, son retour idéal au chaos originaire de l’homme, sa caractéristique d’œuvre « ouverte », comme la nommerait probablement Umberto Eco. S’il n’y avait pas cette ouverture, le public serait étouffé, étranglé ou même empoisonné au lieu de Madame.
En quoi donc consiste l’unicité de cette version des « Bonnes » que Pierangelo Summa avec Mathilde Chouffot et Sara Summa nous offrent aux « Déchargeurs » ?
Je crois, surtout dans le rôle de Madame, que le metteur en scène confie à une marionnette et, à travers elle, aux deux sœurs en char et os.
Dans une récente entrevue — en occasion de la représentation des « Bonnes » au « Teatro Studio » de Milan en janvier et février 2008 —, deux incontournables actrices italiennes — Franca Valeri, qui a joué le rôle de Solange et Anna Maria Guarnieri qui a joué le rôle de Claire — ont dit des choses très originelles sur ce propos :
Franca Valeri : « Il est tellement absurde ce dialogue entre deux bonnes ; elles sont deux bonnes de province, il n’y a aucune revanche des servantes envers la patronne. C’est une transposition de leurs aspirations, de leur échec, de leurs idéaux, mais aussi de leur tempérament possessif, amoureux, vital. Madame est un personnage, ce n’est pas une dame bourgeoise, c’est un spectre vis-à-vis de quelque chose de sublime et douloureux en même temps qui est en elle. »
Anna Maria Guarnieri : « Nous ne sommes pas les premières à manipuler ce texte. Sa force, sa puissance ont poussé une foule d’interprètes à s’y confronter : de jeunes, de vielles, des homosexuels… Car quiconque peut entrer en scène et dire “je suis Madame”, même un crapaud. »
Aujourd’hui, en France, on voit « Les bonnes » de Jean Genet comme un « monstre sacré », qui peut quelques fois aboutir à une sorte de conformisme dans l’interprétation. Ou bien l’on profite des côtés pervers liés à cette « métaphore de la sexualité » jusqu’à dégénérer dans la débauche et dans la perte de sens. Tandis que la vision sortant de l’entrevue aux deux célèbres comédiennes italiennes, tout à fait libres de préjugés, montre qu’on peut « actualiser » de façon positive Jean Genet, en profitant de son « ouverture ».
Il est vrai, même un crapaud peut jouer le rôle de Madame, mais c’est là le défi principal et il faut savoir le surmonter.
Pierangelo Summa est aussi un artiste. Pour relever les défis que ce drame cachait, il a joué soit sur le travail dur et passionné des deux comédiennes — Mathilde Chouffot et Sara Summa — soit sur la force expressive de la marionnette à taille humaine que lui-même a fabriquée — une sorte de « conviée de pierre » à la table de don Juan —, qui s’anime au milieu du spectacle pour devenir Madame, une femme sans profondeur, capricieuse et opportuniste.
Mais la caractéristique de cette pièce est, en général, le fait de donner forme, couleur et vie à tous les objets savamment éparpillés dans l’espace théâtral. Aucun symbole ne préexiste à ce qui se déroule d’un instant à l’autre sur le plateau. Aucun objet n’existe avant qu’une de deux bonnes, et surtout Solange, ne le prenne en main.
Cet espace noir parsemé d’objet de marché aux puces devant les yeux des spectateurs devient une espèce de boîte miraculeuse qui peut tout contenir, dont tout objet peut sortir. Il y a comme un renversement. Les objets ressuscitent, les symboles ressuscitent et aussi Madame ressuscite. Solange et Claire semblent avoir la touche de vie.
Il faut dire que Mathilde Chouffot et Sara Summa sont formidables. Chacune dans son rôle particulier. Chacune dans son attitude complémentaire vis-à-vis de l’autre. Elles ne s’épargnent jamais. Claire, la plus sombre apparemment, semble chercher la vie dans la mort, tandis que Solange, la plus vivante, semble chercher le contraire.
En fait la véritable question ce n’est pas la mort réelle. Elle arrivera, à la fin de la pièce. Mais la mort dont on parle le plus c’est l’absence de vie, l’absence de joie et de force de vivre qui se sont emparées de ces esprits fragiles et incapables, même dans leur diversité, de s’aider à réagir, à se brancher au monde extérieur, à voir elles-mêmes avec un minimum de détachement.
Tout cela se révèle de façon extraordinaire lorsque les deux bonnes font sortir la grande marionnette de son sombre baldaquin. Cet énorme et lourd « Pinocchio » qui a le masque d’une Marlene Dietrich ou d’une Arletty se promène dans la boîte noire avec son corps de bois et de matelas que soutiennent Solange et Claire, chacune à son tour, autant péniblement qu’héroïquement. Ce sont elles qui donnent la voix à cette femme qui semble dépourvue d’épine dorsale, mais qui sait très bien se dérober aux risques mortels cachés au-dedans d’une tasse de tilleul. Elle est dorlotée, chérie, posée sur une balançoire, poussée comme une jeune fille d’antan.
Elle est lourde et apparemment incapable de se débrouiller sans ses deux bonnes. Mais elle sortira seule de cette maison qu’on imagine énorme, dont on croit voir un jardin, une allée, une grille. Elle rejoindra Monsieur, coûte que coûte, car elle est convaincue qu’il est innocent. En tout cas, elle le rejoindrait…
Cette apparition singulière donne une touche magistrale à cette adaptation. Car on comprend que les deux soeurs, qui supportaient mal la présence obsédante de Madame jusqu’à en désirer la mort, s’écrouleront lorsque Madame les quittera.
Le triangle se brise, que le baldaquin pyramidal symbolisait. La souterraine lutte amoureuse entre les deux soeurs pour l’amour exclusif de Madame n’a plus de sens. Peut-être, Claire pourrait survivre, si elle avait la force de s’évader elle-même. Mais Solange, celle qui vit sa passion plus par le corps que par la tête, ne peut pas survivre. Elle voudrait être capable de tuer sa soeur pour anéantir soi-même. Elle n’en est pas capable, mais le geste suffit pour déclencher le vrai drame. Au dernier maillot de la chaîne, Claire n’a aucune difficulté à se suicider, pour accomplir ainsi le projet d’autodestruction de Solange…
Je referme les yeux et je revois cette adaptation essentielle et « symbolique ». Sur le plateau noir, quelques objets marquent l’espace : des chaussures, une malle, un téléphone, une balançoire… ; sur la paroi de gauche est appuyé un portant de cintres pleins de robes colorées ; sur le fond un sombre baldaquin pyramidal. Un habit rouge est accroché au plafond. Claire, la brune maigre à l’air dérangé, pourrait être moins folle que Solange, la blonde bien en chair à l’air sain…

Giovanni Merloni

écrit ou proposé par : Giovanni Merloni. Première publication 5 décemre 2012. Dernière modification 31 décembre 2012

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