« Un hiver avec Baudelaire », le premier roman d’Harold Cobert

En me souvenant avec un grand plaisir de « L’ entrevue de Saint-Cloud » et de l’image croissante de Mirabeau, de cet « homme vrai et courageux » qu’on peut bien considérer comme « un de nous-mêmes »… j’ai récemment acheté le premier roman d’Harold Cobert, Éditions Héloïse d’Ormesson, 2009.
On ne devrait peut-être pas lire à rebours les livres d’un auteur qu’on découvre, en partant du dernier publié. Est peut-être à cause de cela qu’avant de toucher ce très beau roman je songeais une rencontre imaginaire entre Harold Cobert et Baudelaire, en personne ou à travers une de ses œuvres.
Je suis resté donc surpris pour la terrible réalité du sujet et, je l’avoue, un peu méfiant aussi, pendant les premières pages, devant cette façon rapide et apparemment inélégante de raconter cette histoire.
L’unique chose que j’avais immédiatement remarquée c’était la dimension très exiguë des chapitres qui avaient dès le commencement des titres poétiques.
Cela m’a beaucoup soulagé. J’y ai retrouvé un peu la structure du « Spleen de Paris » et j’ai compris que cela aurait bien tôt eu un rôle dans cette histoire.
Moi je suis habitant de Paris depuis quatre ans, après y être venu plusieurs fois en touriste. En ces dernières années, je me suis formé une vision de Paris assez schizophrène, dans laquelle la présence constante des sans-abri – avec une « modernisation » qui prend en France aussi des allures de plus en plus « américaines », voire cyniques — m’a toujours suscité de réflexions très sérieuses. Dans mon sentiment actuel de la France et de Paris, il y a quand même la sensation que quelque chose de positif bouge toujours. D’un côté l’histoire et la forte identité « solidaire et progressiste » de la France. De l’autre côté un petit jeu statistique entre le bien et le mal, les hommes méchants et les hommes généreux. Tout cela me fait toujours espérer que même dans une grande capitale où tout arrive – et tout peut arriver – on peut « enfin » s’en sortir, retrouver une vision joyeuse et équilibrée de la vie, partagée avec nos semblables.
Cela dit, je me reconnais sans réserve dans l’esprit de ce livre, qui évoque, sans jamais le nommer, l’esprit des « Fleurs du mal ». Est-ce une coïncidence, à ce propos, que la péniche où Philippe Lafosse, le protagoniste, trouvera la façon de se sauver s’appelle justement « Le Fleuron » ?
Le grand intérêt de ce roman est justement dans le langage. Un langage sec, rapide, parfois bureaucratique, dépourvu de poésie lorsqu’il doit décrire la descente dans l’enfer, le terrible labyrinthe de l’horreur et tous les menus détails d’une méchanceté « du système » qui semblent organisés pour rendre les hommes incapables de réagir et de s’en sortir. Mais dans cette « masse grise », quelques cailloux lumineux apparaissent de temps en temps. C’est le fil d’Arianne de la poésie, voire de l’espoir, ou bien des voix rassurantes qui viennent de la profondeur de l’âme.
Car enfin Philippe sortira du labyrinthe grâce à des « dieux » qui l’aideront spontanément. En réalité, ce sera la poésie qui l’aidera à remonter. Cette poésie qui lui appartient jusque des premiers moments du récit.
Face aux difficultés, Philippe se renferme en soi même. Il ne veut pas déranger sa mère ni d’autres personnes et, même s’il glisse de plus en plus dans le gouffre, il ne crie jamais au secours. Il veut garder son esprit libre et la force nécessaire pour défendre son petit espace consacré à la fantaisie : déjà, quand il racontait la fable du prince et de la princesse à sa fille, il se trouvait piégé dans une situation douloureuse et sans issue. La fantaisie l’aidait à garder un provisoire équilibre entre ses sentiments. Et le fait que sa fille partageait sa rêverie et ne l’abandonnait jamais c’était la démonstration de l’importance de la fantaisie pour un homme linéaire comme Philippe, mais aussi pour une foule de lecteurs, peut-être beaucoup moins cohérente que lui, qui le suivra fidèlement comme des chiens.
Le chien nommé Baudelaire entre vivement dans la pénible histoire de Philippe – presque à moitié lecture — quand elle semble toucher le fond. Il risque d’être blessé ou même tué par des clochards plus anciens que lui, qui défendent leur coin comme une meute. Baudelaire avait déjà essayé deux fois de se faire adopter, mais Philippe n’était pas dans la condition – bonne ou désespérée – pour l’emmener.
Lorsque le chien attaque et sauve son nouveau patron, le lecteur marque un changement d’humeur immédiat. Philippe n’est plus seul. En même temps, le langage change, en devenant de plus en plus poétique. Symboliquement, l’auteur se substitue pour un moment au chien sauveur en devenant une véritable étoile comète. Philippe va connaître celui qui a baptisé Baudelaire son chien et trouver aussi, près de lui et sa femme Fatima, une nouvelle famille.
Mais ce crescendo de poésie et de petite, timide redécouverte de la joie de vivre ce n’est pas une fable.
Le message du roman est clair : pour devenir homme et garder son esprit sentimental, voire mélancolique, Philippe doit s’évoluer. Sans oublier ses contes de princes et princesses qui sont devenus son secret intime partagé avec sa fille Claire, il doit monter à la surface de la vie se confiant à la poésie de Baudelaire. Une poésie où le lyrisme et l’amour pour le vers musical et classique ne se séparent jamais de la conscience de la douleur, voire de l’horreur qui toujours accompagne nos destins.

Giovanni Merloni

Mirabeau et Marie-Antoinette dans « L’entrevue de Saint-Cloud » d’Harold Cobert

C’est un vrai plaisir pour moi de rencontrer des auteurs cherchant leur parcours original — en contre-tendance vis-à-vis de la demande courante de minimalisme — sans reculer devant à la responsabilité de se rapporter — soit en termes de rythme et de métrique, soit en termes de langage — aux grands poètes et écrivains français du XVIIIe, XIXe et XXe siècle. J’apprécie en plus, de façon particulière, les jeunes auteurs qui donnent vie à des personnages adultes qui, en gardant un regard naïf et inconscient sur la vie, ont quand même un « vécu » important où puiser pour y trouver la sagesse et le bon esprit pour réagir aux passages noirs de la vie. À ce propos, le choix du personnage de Mirabeau que fait Harold Cobert dans « L’entrevue de Saint-Cloud » (Éditions Héloïse d’Ormesson, 2010) est très intéressant. Un homme qui avait tous les atouts pour aspirer, sinon à la gloire, à la reconnaissance, du vivant, de ses immenses mérites. Mais tout Paris était jaloux de lui, surtout à cause de ses rapports privilégiés avec les belles femmes. Même la reine de France, peut-être parce qu’elle était obligée de faire front à plusieurs questions qui auraient du toucher au roi son mari, même Marie-Antoinette, vis-à-vis de Mirabeau, oubliait d’être une femme et préférait le condamner plutôt qu’en considérer les bonnes intentions. L’auteur as une véritable sympathie – que je partage sans réserve — pour ce connaisseur de l’âme féminine, combattant de milliers de batailles d’amour. Car il est devenu — à travers ses batailles — tellement connaisseur de la vie et des hommes qu’il se sente le devoir absolu de se sacrifier pour la santé de son pays. J’ajouterai que Mirabeau travaille contre ses intérêts, donc qu’il ne cherche pas du tout la gloire. Il veut sauver la monarchie parce qu’il est convaincu qu’il est le seul français capable d’une semblable « acrobatie ». Il est donc conscient de se consacrer à un héroïsme que la gloire ne reconnaitra pas. Ou bien il est un antihéros, qui considère soi-même la seule carte disponible pour sauver la reine et sauver en même temps la monarchie en France. Donc, il fallait absolument convaincre Marie-Antoinette. Il est aussi convaincu qu’une femme est toujours une femme. Ses efforts resteront vains. Il ne réussira pas. Il payera un prix énorme dans sa brève vie et la postérité mettra toujours en discussion sa gloire. Mais son échec avec la reine n’est pas la conséquence d’une faute dans sa ligne de combat ou d’une approche moins que raisonnable. C’est Marie-Antoinette qui ne veut pas comprendre ses raisons, certes à cause de cette situation dramatique où elle se trouve. Ou bien elle ne raisonne pas seulement comme une femme. L’unique autorité qu’elle pourrait reconnaître à Mirabeau est dans le domaine des conquêtes galantes. Mais elle est doublement jalouse de cela. D’un côté à cause de son naturel féminin ; de l’autre à cause de l’attitude masculine qu’elle a acquise en conséquence de la lâcheté de Louis XVI. Ce qui m’a intéressé dans ce livre – au-delà des études précédentes d’Harold Cobert sur ce personnage, que donc il connaissait déjà — est le choix d’avoir considéré surtout l’importance des nombreuses « couches » d’expérience qui ont fait de cet homme, encore jeune, un homme sage. La sagesse peut-elle venir de l’expérience directe de la vie plutôt que d’une activité incessante de justes lectures et brillantes réflexions ? D’où rayonne la petite lumière qui nous fait parfois deviner les plus hasardeux mystères de la vie ? Je partage donc le profil d’homme sage et généreux que Cobert a choisi pour Mirabeau — et j’y trouve une façon moderne de faire revivre — comme si c’était à nos jours — ce monde du XVIIIe. En plus, Mirabeau, vrai ambassadeur entre les deux sexes, n’a jamais l’air d’un gigolo au genre de Valmont avec la marquise de Merteuil ni se prend pour un antiroi comme Marc-Antoine avec Cléopâtre. L’histoire humaine est pleine, en fait, d’hommes de génie que la passion pour les femmes a obligés à renoncer aux rôles principaux. Le phénomène de Mirabeau ouvre les portes à de nouvelles réflexions sur le rôle de l’amour — cette chose apparemment privée et tout à fait cachée – dans la formation de l’histoire. Je serais tenté, par exemple, de faire une petite comparaison entre Mirabeau et Gainsbourg… Un autre aspect de ce livre m’avait touché : le double jeu, qui coûtera au corps de Mirabeau le virement du Panthéon, est, dans ce livre, la seule condition pour sauver une certaine idée de la France qui aurait pu donner, peut-être, une différente suite à la Révolution. Cela ouvre aussi les portes à une réflexion sur l’importance du facteur humain dans les moments cruciaux de l’histoire…

Giovanni Merloni

Le cahier rouge de Louise et sa vie contrariée II/II, un roman de Corinne Royer 

L’étranger
« Il hésitait. Comment partir sans rien savoir de Louise ? Tant d’attachement à cette femme jusqu’alors inconnue lui inspirerait forcément un retour sur cette terre protestante, aux confins de l’Ardèche et de la Haute-Loire, avec ses maisons aux toits de lauze, ses murs de pierre grise, ses hameaux raturés, les lieux d’un crime qu’il n’avait pas commis, mais dont il se sentait pourtant coupable. »
Avec cette phrase énigmatique, l’Américain James Nicholson entre en scène, révélant déjà l’incertitude et le fatalisme de son caractère, mais aussi l’attachement acharné à ses mémoires familiales, voire à ses origines encore nuageuses. Il est l’étranger tombé du ciel, mais aussi le fils prodigue qui revient à sa terre paternelle après avoir gaspillé sa fortune ailleurs. Il repartira bientôt, comme Ulysse, pour son Ithaque américaine, mais, avant, il doit descendre dans l’Enfer et se donner une pause revitalisante avec la belle Nausicaa.
Il est accueilli avec l’enthousiasme aveugle des uns et la méfiance aveugle des autres, dans ce village au cœur de la France à l’apparence insouciant ou traversé de tous les maux contemporains. Ici, encore de nos jours, restent vifs le chagrin et la rage impuissante vis-à-vis des dix-huit enfants disparus une nuit dans le bois, lors de l’Occupation nazie, jamais plus retrouvés depuis. Dans son inguérissable humanité, James Nicholson voudrait toujours savourer la vie comme des œufs à la neige ou de la crème anglaise, cependant son attachement à sa grand-mère retrouvée lui donne un sursaut d’orgueil. Il se sent coupable de ce « trou » dans le cordon humanitaire qu’il appelle crime. Il craint peut-être que Louise, sa grand-mère, en soit de quelque façon responsable.

La résidence des Sycomores
Cet étranger paresseux et maladroit, mais très honnête quant aux sentiments, arrive tard à la résidence des Sycomores, maison de retraite où Louise Sorlin l’avait longuement attendu, en brodant ses vraies initiales — J.H. au lieu de J.N. — en espérant ainsi de recoudre la terrible déchirure qui avait marqué sa vie. Il trouve sa grand-mère morte, entourée de très faibles signes de sa longue vie. Un monde prêt à devenir cendre à cacher dans un columbarium. Il ne veut pas de cette disparition totale, même s’il lui incombe de se charger des frais : « — incombe, madame, incombe… il faut le faire rimer avec colombe… Il faut y réfléchir. » En affrontant ses devoirs de petit fils au rythme intérieur de cet « incombe-colombe, incombe-colombe » qui résonne dans sa tête, l’Américain révèle son âme sensible, tandis que l’auteure révèle, elle aussi, un penchant pour la rêverie qui nous aide à trouver les justes mots pour affronter les joies et les douleurs de la vie. En tout cas l’Américain n’est pas descendu inutilement de son avion : « Dans l’autre tiroir, une montre, un foulard en soie bleu, un cahier rouge. Machinalement, James Nicholson s’était emparé du cahier. Il était retourné sur le lit, avait calé son dos avec un oreiller. Louise, elle, avait pour habitude d’en disposer trois sous sa tête… Un fils, Louise avait eu un fils qu’elle n’avait pas vu grandir. Cette absence l’avait à jamais privée d’air, elle l’avait laissée suffocante, essoufflée au moindre geste, à l’aube de ses dix-sept ans. Calé contre les oreillers qui dégageaient une forte odeur d’eau de Cologne, il avait ouvert le cahier. Sur la première page courait une écriture à l’encre bleue, serrée, légèrement anguleuse : « À mon fils, aux enfants qui seront les siens » »

La chambre dix-sept
« Sur le rebord de la fenêtre, James Nicholson restera, immobile, regard coulant au loin par-dessus les toits. Nul ne saurait affirmer qu’il perçût réellement la voix de Nina ni même la berceuse melliflue des mots sur ses lèvres. La voix de Nina, pareille à la lecture du menu du jour. »
Dans la chambre dix-sept de l’hôtel One Toutou, il n’y a pas le vicomte de Valmont à l’écoute de la voix candide et affolée de Cécile de Volanges, même si tout le monde le pense.
Bien sûr, l’Américain, venu à Chambon-sur-Lignon pour connaître sa grand-mère française, a jugé Nina, la serveuse de l’hôtel et du restaurant, adaptée au rôle de liseuse du cahier rouge qu’il a trouvé dans un tiroir de la maison de retraite des Sycomores, où Louise Sorlin venait juste de mourir. Il n’a pas l’esprit pour s’adonner aux plaisirs qu’une jeune paysanne lui voudrait spontanément offrir. Il « doit » savoir.
De l’autre côté, même si elle a été véritablement foudroyée par la vision de cet étranger tombé du ciel, Nina ne peut pas se dérober à sa fonction de vestale du feu sacré : elle aussi avait connu la glorieuse Louise.
Donc, l’histoire d’amour entre Nina et James Nicholson reste suspendue. Elle n’a pas pu exploser déjà le premier soir, lorsque Nina, tout emportée et sûre de soi, était montée à l’étage. Elle se concrétisera peut-être après, quand la lecture sera finie. Du moins, le lecteur s’attend à cela.
Après un premier chapitre consacré à la « descente sur les lieux », c’est avec cette invention géniale de la lecture décalée du « cahier rouge » que La vie contrariée de Louise prend le large.

Nina et Pierre  
Petit à petit, suivant les histoires parallèles — celle de Louise, Franz et Virginia Hall ; celle de James Nicholson, Nina et Pierre ; mais aussi celle de Gerlou avec la belle Canelle, celle d’Antoine et du croque-mort aimant de la vie —, on comprend combien le Chambon-sur-Lignon d’aujourd’hui est encore étroitement lié à son passé. On comprend aussi, au-delà de l’héritage de la miraculeuse solidarité qui a soudé une entière population contre l’Holocaust, que les hommes et les femmes sont toujours les mêmes, chaque microcosme reproduisant dans le bien et dans le mal des caractères qui se répètent à l’infini.
Deux personnages de nos jours, Nina et Pierre, sont essentiels pour ce qu’en langage théâtral on appellerait d’abord l’intrigue, enfin le dénouement du roman de Corinne Royer.
Nina, serveuse au One Toutou, est appelée de son ami Pierre, une femme « facile ». Je dirais qu’elle n’a pas peur de suivre son naturel parce qu’elle a une force en soi-même, parce qu’en fin de compte elle « sait ce qu’elle veut ».
Pierre, au contraire, ne dispose que de sa force physique et de la bienveillance des habitants du village que nous rencontrons soit parmi les clients du One Toutou, où Pierre va souvent, soit parmi les vieilles dames hébergées dans la résidence des Sycomores, où il travaille.
Avant l’arrivée de l’Américain, les deux fiancés se rencontraient de façon très spontanée et peut-être sans se poser trop de questions. Nina suivant son attitude généreuse. Pierre en conséquence de ses limites graves.
Donc, tandis que dans la chambre dix-sept du One Toutou Nina fait revivre à son petit-fils Louise Sorlin et tout le monde qui était autour d’elle, Pierre, en plus d’une jalousie tout à fait compréhensible envers cet étranger séducteur, révèle un côté sinistre. En fait, agissant d’une façon que seule la maladie mentale peut justifier, avec le manque d’attention de tous ses collègues des Sycomores, Pierre « aide » la vieille Louise à mourir : « Elle avait montré à Pierre les trois oreillers, lui avait demandé : Aide-moi mon p’tit, aide moi… Il avait appuyé sur les oreillers sans excès. Les mains de Louise avaient à peine bougé, elle avait gaspé quelques secondes comme un lièvre pris au collet, sa jambe droite s’était légèrement rétractée avant de se détendre pour toujours. La gauche ne bougeait plus depuis longtemps. »
Après cette mort — qui est bien sûr à l’origine de la découverte du cahier rouge, donc du « rite » de la lecture des mémoires de Louise —, Pierre alterne son « aide » aux vieilles pensionnaires des Sycomores par une quête, de plus en plus affolée, d’une bonne raison pour continuer à survivre. Tout à fait complémentaire à Nina, qui agit à travers Louise, Pierre parcourt en long en large, comme une âme en peine, les mêmes lieux qui furent théâtre des actions de désobéissance civile au temps de l’occupation. Jusqu’à rencontrer les traces de Virginia Hall, maîtresse de vie pour Louise et lumineuse figure de la Résistance. Qu’aurait-il fait le pauvre Pierre, survécu à l’âge de huit ans à un accident terrible qui lui avait lourdement endommagé la parole, qu’aurait-il pu faire si cette Nina ainsi belle que forte restait avec lui ?
Quant à Nina, elle est enfin la figure dominante du livre. En passant du rôle de témoin à celui de protagoniste, elle « devient » Louise jusqu’au point de prendre sur soi la responsabilité de connaître la vérité et de s’y positionner. Tout de même que la femme d’Aveuglement de José Saramago qui, seule à garder la vue, finit pour assumer le rôle de guide et de salvatrice : « Vingt et une heure quinze, une ligne droite, parfaite. Pourtant Nina ne parvient pas a y voir autre chose qu’un fil de funambule, très haut tendu entre son affection pour James Nicholson et l’atrocité de l’histoire qu’elle devra lui révéler… Elle lui dira : Tous les enfants sont morts. Elle le lui dira ainsi, sur le ton de la lecture du menu du jour, et après, tout de suite après, elle ajoutera : C’est quoi votre parfum ? Ou alors, elle le dira d’une seule traite : Tous les enfants sont morts c’est quoi votre parfum ? »
Voilà, avec ce petit jeu de mots, qui nous rappelle les nombreuses perles poétiques du récit de Louise, Nina assume son destin. Elle ne cachera pas son amour à James Nicholson, son Franz américain. Car, entre toutes les vérités qui se sont petit à petit révélées, celle de son amour est bien sûr la plus importante.

Le cahier rouge de Louise
Le drame des dix-huit enfants aurait-il pu être évité ? L’histoire racontée dans ce roman nous l’explique. Même si de façon imparfaite, l’amour coupable, mais tout à fait sincère de Louise envers Franz avait emmené ce dernier, pour une fois, à faire une bonne action, en soustrayant les dix-huit enfants à la déportation. Mais celle de Franz ne fut malheureusement qu’une action à moitié, que Louise aurait dû accomplir, si elle en avait eu la possibilité.
« Les Ogres étaient entrés au foyer des Lunes. Ils n’avaient découvert que des lits vides, encore chauds, mais ils avaient une liste de dix-huit noms, et le ton était monté. Ils ne repartiraient pas sans dix-huit enfants. Ils avaient menacé… Franz était là. Il parlait la langue barbare des Ogres et mimait leurs gestes brusques… Franz mon amour. Sans ces mots je me lèverais subitement, j’attraperais le grand couteau de boucher dans le tiroir du bas, je le planterai dans ton cœur. Et j’attendrais de savoir si j’ai mal. J’attendrais de savoir si j’étais là. Dans ton cœur… Magda à fait prévenir mon père… Il a tendu mes papiers. Puis il a traversé la pièce, jusqu’à Niels… Je me suis d’abord rassasiée de cette image…. Puis j’ai haï cet homme donnant en spectacle l’affection paternelle dont je l’avais toujours cru dépourvu… J’aurais voulu ne pas être sa fille. J’aurais voulu ne pas avoir ces papiers-là. Ne pas porter son nom. »
La scène suivante est digne de Kapo, l’inoubliable film de Gillo Pontecorvo :
« Magda a distribué des sacs remplis de saucisson, de fromage et de pain frais. On a même déniché quelques tablettes de chocolat… Les enfants pleuraient. Derrière les vitres, peu à peu, la buée les recouvrait… Niels me faisait un petit signe de la main… Jamais je n’avais vu les si grands yeux vides de Niels… Nous n’avons pas cessé de chanter, puis le miracle s’est accompli… Nous avons couvert de nos chants la langue barbare des Ogres qui nous invectivaient. Nous avons pris chaque enfant par la main, les avons fait sortir, l’un après l’autre, calmement… Soudain Niels à dégagé sa main. Il est remonté dans l’autobus… J’ai consenti, Niels, j’ai consenti à ton sacrifice…
C’est à ce moment là que le drame se figea dans tous les présents avec un sentiment de non-retour. Tout était perdu, les gens du village étaient tous avec Niels, l’esprit plongé dans l’antichambre de la mort. Cependant, comme il arrive souvent dans les tragédies classiques, un fait inattendu brise l’attention. Un objet s’affiche à la forte valeur symbolique : un pendentif avec un médaillon. Combien d’amoureux s’échangent leurs pendentifs ! C’est un rite ancestral très diffusé. En tout cas, s’il n’y avait pas eu une raison de vie ou de mort, Franz n’aurait pas poussé son désir de signifier son amour à Louise au-delà de toute prudence…
« Franz a fendu la foule. À ma hauteur, il a arraché le pendentif qui flanquait sa poitrine. Il l’a glissé dans ma poche… Il s’est retourné en criant : « Sieh drinnen nach ! »… Mon père m’a attrapée par le bras et nous avons traversé la foule silencieuse… Dans la cave, il m’a craché au visage. Puis avec une manche de fourche, il m’a battue jusqu’au sang… J’ai pensé aux enfants de la forêt, ceux que les Ogres n’avaient pas dévorés, mais qui devaient être rongé par la peur et le froid. »
Enfermée dans la cave, inquiète pour les premiers signaux d’une grossesse qui devenait de plus en plus certaine, Louise avait oublié le pendentif. Quelques jours après l’irruption bénéfique et salvatrice de Virginia Hall, Louise commence à regarder plus sereinement sa vie : « À qui vais-je donner naissance ? Les arbres et les fleurs savent à quoi ils vont donner naissance. Et moi, je l’ignore. J’ignore même en quoi consiste le fait de donner naissance… Cette phrase qui annonce le départ de Virginia, tard dans la nuit : Le requin a le nez tendre… La pire monstruosité peut receler un soupçon de tendresse… J’ai demandé à Virginia ce que signifiait Sieh drinnen nach. Virginia a souri : « C’est la plus belle chose qu’on puisse dire à quelqu’un qu’on aime. Cela signifie Regarde à l’intérieur. » »
Le jour venu de la naissance de son fils, Louise l’appelle Regarde-à-l’intérieur avant de le confier, comme avait fait Fantine avec la petite Cosette des Misérables à une dame à la capeline en train de partir en Amérique. Après quelques temps on reparle du médaillon. « Aujourd’hui, j’ai raconté à maman les mots de Franz lorsqu’il m’a tendu le médaillon. Et elle n’a rien trouvé d’autre à répondre : — Et alors, tu as regardé à l’intérieur ?… Elle a ouvert le médaillon… « Louise. Ai trouvé les enfants dans la forêts. Les ai mis dans les sous-sols de la Châtagneraie… Prends soin de toi. Et des enfants. Je ne sais pas quand la guerre sera finie. Je sais que je l’aurai gagnée à ma façon. Franz. »… Il aurait fallu ouvrir le médaillon avant. Bien avant. Maman l’a dit. Bien avant… Pourquoi n’en avais-je pas parlé à mon père ?… »

Giovanni Merloni

À nous la liberté

Une jeune fille est en train de courir dans un pré, elle a les pieds nus. C’est une photo en couleur, pas du tout recherchée ou « traitée » avec un logiciel quelconque. La jeune fille de la couverture du livre a l’air simple, honnête, aussi pensif que confiant. Elle pourrait être la Louise dont parle le très intéressant et beau roman de Corinne Royer, La vie contrariée de Louise (Héloïse D’Ormesson, 2012, pages 232). Mais, en lisant la quatrième de couverture, on apprend que Louise avait dix-sept ans en 1944. En ces temps-là, les photos en couleurs étaient très rares. De ce passé-là, l’Histoire nous renvoie surtout des photos en noir en blanc. Des photos de guerre et de mort. Comme les millions des morts juifs, tués un à un avec une violence d’animaux sauvages et une brutalité obsessionnelle qui n’appartient qu’à l’homme. Heureusement, nous avons aussi dans les yeux les images de Paris libéré, les photos des villages français en fête. Entre elles, qui sait ? pourrait y être une photo de Louise, souriante au milieu de sa communauté héroïque, finalement autorisée à rentrer dans un rythme normal de vie.
Cette femme de la couverture n’est pas Louise. Elle est peut-être Nina, la jeune montagnarde qui va hériter d’elle, qui lui ressemble tellement en toutes ses attitudes. Elle aussi, traverse la vie, bien droite, le regard rêveur et légèrement troublé. Così felice, col vento nei capelli, ainsi que disait une célèbre chanson de l’italien Giorgio Gaber.
Ou bien, cette jeune femme quelconque à l’allure légère, suspendue dans l’air, caressant les prés de ses pieds nus, elle est une jeune d’aujourd’hui, qui court à la rencontre de la liberté. À nous la liberté, c’est le film incontournable de René Clair (1931) que je vis jadis dans un glorieux cinéma d’essai de Rome, qui représente efficacement soit le désir de liberté soit le travail incessant qu’il faut mettre en oeuvre pour l’atteindre. Une pareille conscience du défi de la liberté se joue aussi dans le monde flou que la photographie évoque et dans l’expression intense de cette jolie montagnarde.
Nous sommes dans le territoire de Chambon-sur-Lignon, commune « huguenote » de la haute Loire, qui dans un esprit unanime et solidaire sut nier toute complicité aux occupants nazis entre 1941 et 1945, en sauvant la vie de milliers de jeunes juifs. Un petit monde qui reste encore aujourd’hui ancré à ces mêmes valeurs civiles. Un monde qui pourtant ne s’offre pas à la vue comme île heureuse, aussi ennuyeuse qu’imperméable à la méchanceté et à la violence. Car le Mal — comme le Bien — arrive de l’extérieur aussi que de l’intérieur de nous-mêmes. Et souvent, notre vie est gênée, ou pour mieux dire « contrariée » par la cohabitation en nous de pulsions opposées, envers le Bien ou envers le Mal.
La plupart des fois, comme dans le cas de Louise, ce genre de contrariété ne descend pas d’une confusion ou d’un aveuglement venant de l’ignorance ou d’un malaise familial profond.
Et l’amour aussi, n’est pas toujours un sentiment aveugle. Louise aime Franz, contre sa volonté et ses valeurs solides. Elle ressemble à Aida, le personnage de Verdi, tragiquement amoureuse de Radames, le chef de l’armée ennemie : « Je ne veux pas croire qu’ils [les nazis] ne savent pas ce qu’ils font. Il me vient à l’idée qu’un jour, Franz, lui aussi, sera un de ces Ogres. C’est peut-être là ma mission divine, détourner Franz de sa destinée d’Ogre. Parfois j’ai peur pour Franz. Et d’autres fois j’ai peur de Franz. »
Car elle voit, dans le Mal dont Franz est complice, le Bien dont il est capable. Elle aime aussi ses parents, dont elle partage totalement les valeurs et les choix. Elle n’arriverait jamais à dire, comme Aida, Ritorna vincitor ! (Reviens en vainqueur !), parce que l’horreur dont les Ogres nazis se rendent responsables va bien au-delà des drames identitaires que les guerres font quelquefois exploser. Elle est même plus engagée qu’eux dans l’action de protection des juifs cachés. Donc sa contrariété, sa violente lutte intérieure, n’a rien à voir avec des pulsions positives et négatives en lutte. Elle naît du combat entre deux sentiments tout à fait sains : l’amour d’un jour pour un homme qui grâce à cet amour eut le courage, ce même jour, de faire une action bonne ; l’amour de toujours pour une humanité ouverte et solidaire, sérieusement intentionnée à lutter contre la barbarie : « La guerre… La guerre sur tous les visages, dans toutes les bouches, dans celle des grands, ce que je serai bientôt. La guerre, ils ont la voix qui grelotte lorsqu’ils en parlent. D’ailleurs, le plus souvent, ils n’en parlent pas, ils la chuchotent, comme des Petits Poucets dans la maison des Ogres… Si les Ogres ne parviennent pas tout de suite à soumettre nos âmes à l’idéologie totalitaire, ils voudront soumettre tout au moins nos corps. Le devoir des chrétiens est d’opposer à la violence exercée sur leur conscience les Armes de l’Esprit. »
En pleine cohérence avec ces deux amours de la vie, La vie contrariée de Louise est un roman émouvant et sincère, une longue et profonde réflexion sur le sens de la vie. Ici, les personnages ne pourraient être mieux choisis, et l’existence même — aujourd’hui, dans le monde qui tourne autour de la chambre numéro dix-sept d’un petit hôtel, tout comme au temps de la jeunesse difficile de Louise, âgée alors de dix-sept ans — ne pourrait être mieux décrite.
Un livre courageux, que j’ai aimé pour la force de son langage « cinématographique » à la Victor Hugo, donc pour sa qualité littéraire qui m’a rapporté aussi le rythme de Vercors, la voix de Saint-Exupéry et l’esprit de Camus. Un roman qui puise aussi dans les proverbes, les dictons, les images des fables — les Ogres, les Petits Poucets, la Maligne — et dans les mots de tous les jours. Qui après utilise ce patrimoine « retrouvé » à l’intérieur d’une forme expressive « poétique » tout à fait originale.

Le temps de Louise et le temps de l’Histoire

La vie contrariée de Louise est basée sur deux plans narratifs différents.
Celui du passé, représenté par le journal que Louise avait écrit sur son cahier rouge dans la période cruciale de sa jeunesse, auquel elle avait ajouté quelques mots à la veille de l’arrivée de son petit-fils James.
Celui du présent, où les histoires de certains habitants du village — travaillant dans le Restaurant One Toutou (Alice, Nina, Pierre, Gerlou et la belle Canelle) ou dans la maison de retraite des Sycomores (Pierre) ou ailleurs (Antoine) — sont touchées par la mort de Louise et par la présence de James Nicholson à Chambon-sur-Lignon, évènements qui entraîneront une accélération dans le dénouement final de leurs propres destinées.
Ce choix, qui se traduit en un récit volontairement fragmentaire pour le présent et, en revanche, en une exposition plus classique pour le passé, ne correspond pas seulement à la dynamique de la vérité qui tôt ou tard se révèle toujours. Et l’on ne peut pas nier qu’un certain suspens est toujours présent. Mais cette contamination réciproque du passé et du présent de Chambon-sur-Lignon naît, je crois, d’un constat philosophique et moral plus profond.
D’un côté, le passé est souvent un tabou. L’Histoire nous raconte que dans le Plateau de Chambon-sur-Lignon 3500 réfugiés ont été sauvés, tandis que dix-neuf jeunes hommes sont morts dans les champs nazis. Ces dix-neuf personnes qu’on n’a pu soustraire à la furie homicide sont une souillure douloureuse qui pèse sur la mémoire glorieuse de cette communauté. Corinne Royer à eu à ce propos le courage de renverser le sens de ce tabou, en se posant, j’imagine, la question suivante : et s’il y avait eu un manque d’attention, une erreur humaine, qui ont affaibli toute vigilance ? Une complicité ? D’ailleurs, sous le gouvernement collaborationniste de Vichy, combien de juifs ont été abandonnés à leur destin sinon carrément dénoncés à la Gestapo ? Selon ce que Louise raconte dans son imaginaire cahier rouge — que la visite de Nina avec un ami policier nous confirme —, dix-huit « Petit Poucets » seraient morts ensevelis dans le sous-sol de la Châtagneraie, c’est-à-dire le quartier général des occupants nazis, tandis que Niels, le dix-neuvième garçon, aurait été le seul déporté à Auschwitz. Nous revenons encore une fois au numéro dix-neuf.
De l’autre côté il y a le présent, où les gens ont peu appris et beaucoup oublié de ce qui s’est passé en Europe il y a soixante-dix ans. On s’en fiche du passé ou on en garde une image aussi figée que décolorée. Le monde d’aujourd’hui ne garde pas les mêmes valeurs qu’avant. Les lieux se transforment, le passage du relais entre les générations subit des traumatismes, des ruptures. Ceux ou celles qui pouvaient raconter se taisent, tandis qu’une sorte de négationnisme s’insinue, au nom de conditions de liberté et démocratie qui seraient désormais acquises.
On a bien compris qu’aucune conquête n’est jamais définitive. Il faut travailler sur la mémoire pour en tirer des leçons, pour s’en servir dans le présent. En même temps, notre sensibilité contemporaine nous aide à revisiter le passé avec souplesse, sinon de l’insouciance. Malheureusement, dans le présent, beaucoup de tragédies se reproduisent, et les horreurs se répètent. Mais au moins, dans le présent, on est capables de parler d’arguments « intimes » et surtout d’en écouter parler avec un brin de maturité en plus : « Je sais enfin pourquoi je suis née. Là, happant son souffle tiède contre ma nuque… Je suis née pour recevoir le sexe d’un homme dans mon ventre. Et ce n’est pas si terrible… Je ne me suis pas sacrifiée. Il n’y eut pas d’autre abandon que celui au désir, pas d’autre vacillement que cette chose que je nomme enfin jouissance. Si douce et si violente. Franz mon amour. » Cette phrase clou, qui synthétise mieux que toute autre l’esprit de Louise, répond efficacement à ce qu’on disait à propos du rôle de la sensibilité contemporaine dans la compréhension du passé.
Peut-être, une phrase comme ça elle ne la dit jamais à personne, sauf, j’imagine, à Virginia Hall. Cette femme extraordinaire — qui a réellement existé — eut d’ailleurs l’intelligence d’enlever Louise de la cave où l’inflexibilité de son père la tenait prisonnière. Louise aurait voulu confier cela à son fils et, plus tard, à son petit fils. Elle avait d’ailleurs une sensibilité qui allait au-delà de son temps : « J’ai parlé de Franz à Virginia… Hier soir, un des hommes en civil a apporté une bouteille de vin… Je leur ai demandé s’ils allaient tuer les Ogres. L’homme a froncé les sourcils : « J’espère bien qu’on les tuera tous ! » Je leur ai fait promettre d’épargner chacun de ceux qui se nommeraient Franz… On parlait d’un débarquement sur les plages normandes qui avait semé la panique chez les Ogres. L’air fut alors plein de récits de massacres… Me voilà bien avancée… Avec mes seins lourds, mon ventre rond, mes nausées, mon rat et mon petit Ogre dans l’utérus… »
Voilà alors le motif inspirateur de ce roman passionnant et riche de surprises : le thème de l’amour et de son extrême simplicité ou, si l’on veut, de sa facilité désarmante.
Un amour qui bouge à travers l’espace et le temps, ou plutôt un pont reliant le passé au présent. Louise à Franz. James Nicholson à Nina. Gerlou à la belle Canelle et Pierre au fantôme de Virginia Hall.

L’originalité et la force de ce roman — fable douloureuse et, en même temps, récit décalé — jaillissent tout à fait naturellement de cette idée de l’amour, que je partage sans réserve, qui devient aussi un élément structurel de la narration : « Franz m’attendait devant la ferme. Les mains enfoncées dans les poches, le col de sa vareuse relevé jusqu’au-dessous du nez, l’œil sombre sous le ciel étoilé. Une clarté de lune lui barrait le visage. Il était beau… Sous la couverture… Le corps de Franz. Contre moi, le corps de Franz… Les visages des dix-huit enfants blottis dans la nuit, voletant au plafond de la grange, comme des anges… Franz mon amour. C’est donc seulement de cela qu’il s’agit dans le corps. Et tant de choses dans la tête. Franz, serre-moi. Reste encore. Une éternité. Jusqu’à l’aube. Jusqu’à la fin. »
C’est l’amour qui mobilisera le personnage de Pierre, l’obligeant à révéler ses actions incontrôlées et trouver enfin son inévitable destin. C’est l’amour qui poussera Nina à suivre le sillon de Louise jusqu’au point d’accomplir à sa place le rêve de sa vie. Et c’est enfin l’amour qui procure à James Nicholson une patrie et une entière identité : « Je marche dans les allées du parc des Sycomores… Depuis l’autre bout de l’allée, un homme vient à ma rencontre. Il avance péniblement, appuyé à sa canne. Arrivé à ma hauteur, il dit : Louise ? » Il le dit avec l’accent des Ogres. Je réponds : « Franz… » « Oui, dit-il, Franz Harster. » Je pense à James Harster, mon petit-fils. Toute la vie qu’il me reste à vivre, je broderai ses initiales sur des couvertures… Je pense à toi, mon fils. Il faut que tu me pardonnes. Il faut seulement que tu me pardonnes. »
Le mérite de l’indéniable réussite de La vie contrariée de Louise dérive de l’heureuse fusion de trois éléments : d’abord la force dramatique de l’histoire de Louise et des événements qui se déroulent autour et au-dedans d’une chambre de l’hôtel One Toutou; deuxièmement, la structure narrative et poétique, tout à fait anticonformiste — dans la rigueur comme dans la liberté —; enfin la grande humanité et véridicité de tous ses personnages, même des mineurs, comme cet Antoine (véritable sosie du Félix Tholomyès des Misérables).

Giovanni Merloni

(continue)

Descendre vers l’obscur avec Jérôme
Ferrari : « Où j’ai laissé mon âme »

Je viens de lire le roman de Jérôme Ferrari, paru en France par Actes Sud à la rentrée littéraire 2010, objet déjà de plusieurs commentaires. D’habitude, je ne lis pas les autres commentaires avant d’écrire le mien, pour m’exprimer librement, au risque de répéter des choses qu’on a souvent dites mieux que moi.
Cette fois, après une lecture rapide des commentaires, très intéressants, de Stéphanie Joly et de Carole Zalberg, je voudrais partir des mots clés qu’elles utilisent, que je partage vivement.
Selon Stéphanie Joly, Jérôme Ferrari se révèle « un équilibriste surdoué [qui] se balade, tendu, avec son génie, la main et le coeur douloureux, sur le fil torturé d’une guerre éternelle ».
Cet équilibrisme, pourtant indispensable — j’ajoute —, vient avec le choix primordial de ce livre : la confrontation de deux opposés, le bien et le mal à l’origine, que ses personnages principaux encharnent en soi.
Ces deux êtres – le capitaine André Degorce et le lieutenant Horace Andreani – ont des prénoms et noms qui se croisent et se ressemblent beaucoup. Le nom Andreani est une dérivation évidente du nom André, tandis que le nom Degorce a beaucoup de lettres en commun avec le prénom Horace. Ce n’est pas nécessaire d’arriver aux Horaces et Curiaces de la guerre des Romains contre les Étrusques pour deviner que les deux personnages — Degorce et Andreani —, plus liés entre eux que deux frères, faisant part d’une famille plus importante que celle qu’ils ont laissée dans un coin irréel du monde, soient en final une seule personne. Un sel homme qui tourmente soi-même la nuit, tandis que le jour — guerre après guerre —, transformé de victime en bourreau, il devient de plus en plus méchant, violent, lâche, assassin et trompeur.
Selon Carole Zalberg « Jérôme Ferrari est un mineur de fond. Livre après livre il descend vers l’obscur, éclaire, paré de sa langue lumineuse et de sa compassion, les zones reculées où se cache le cœur de l’homme. On l’imagine écrire sous la dictée d’une fièvre, celle de creuser et creuser encore à la recherche de la vérité dans sa gangue de discours, de théories ou d’illusions. »… « Car il sait ce qu’il y a dans l’homme et c’est ce qu’il écrit. »
Je suis tout à fait d’accord avec Carole Zalberg : Jérôme Ferrari — par rapport aussi à sa génération d’écrivains — se charge de façon sérieuse de thèmes extrêmes, durs et difficiles à vivre, à écouter,  donc aussi, sinon surtout, à raconter. Il n’a pas peur de « descendre vers l’obscur ». Et c’est vrai qu’il « sait ce qu’il y a dans l’homme ».
Moi je voudrais ajouter des observations un peu libres, n’ayant pas la nécessité d’expliquer trop analytiquement la situation de ce très beau livre, situation que d’ailleurs je connaissais très peu, je l’avoue, avant de le lire.
Je veux toujours défendre le droit du lecteur. Et je vois bien que l’auteur s’en charge aussi. Car Jérôme Ferrari, à mon impression, ne se prend pas pour un connaisseur des profondeurs de l’âme humaine, mais comme un chercheur, un « mineur de fond », comme dit très bien Carole Zalberg. Personne d’ailleurs ne pourrait se déclarer absolument certain de tout savoir et de tout avoir bien examiné quand on parle de guerres, de terrorisme, de tortures et de logique…
C’est dans ce mot, « la logique », qui gouverne les comportements de tous ceux qui enfin tuent et torturent, la question souterraine à laquelle JérômeFerrari donne une série de réponses, en préférant en tout cas demander au lecteur, après réflexion, sa réponse sincère.
Revenant donc au droit du lecteur, on doit remercier Jérôme Ferrari non seulement de cette histoire touchante qui se rapporte très bien à l’actualité et donne une grande impulsion au débat et à la réflexion historique et politique même d’aujourd’hui ; il a écrit un livre qui d’un côté emporte le lecteur même dans un tourbillon ou manège ou film sans répit et, de l’autre côté, avance lentement, comme s’il y avait un poids terrible à supporter sur la tête et les épaules.
Dans les quatre « lettres » d’Andreani, un fabuleux rythme « au style de Saramago » — basé sur la fascination de la parole dite et sur une espèce de refrain (« J’ai le  regret  de vous le dire, mon capitaine ; j’ai vu mourir tant d’hommes, mon capitaine ; parce qu’il n’existe aucun pays pour les hommes comme moi, ou comme vous, mon capitaine… »), aide le lecteur à comprendre, à marquer les passages logiques de cette barbarie progressive qui, à travers la déportation à Buchenwald et trois guerres, anéantit l’âme du capitaine Degorce après avoir effacé celle de son lieutenant Andreani. Pour balancer le « point de vue » irrésistible d’Andreani, voire sa désespérée recherche de complicité, le récit des trois journées — du 27, 28 et 29 mars 1957 —, vécues dans un état de prostration par le capitaine Degorce est proche à l’immobilité.
Tous les deux, Andreani et Degorce ont perdu l’âme, tôt ou tard, tandis qu’ils poursuivaient chacun sa chimère. Mais la vraie question est peut-être la suivante : est-ce qu’ils avaient une âme, avant de partir dans leur aventure de torture et de mort ?
C’est une question très délicate, qui met en cause d’abord les systèmes terroristes qu’on applique de plus en plus dans les guerres et, ensuite, l’idée même de la guerre liée au pouvoir, à l’argent, à l’idée de conquête et de soumission des autres.
Le personnage toujours souriant – parce qu’il n’a pas peur de mourir et trouve son équilibre en affichant l’air calme – de Tahar me pousse à dire que Jérôme Ferrari, comme moi qui lis le livre, n’accepte que la guerre pour l’indépendance des peuples faite par les peuples mêmes.
Donc, je pense que ce livre en définitive condamne a priori les systèmes qu’une logique militaire abstraite et sans préjugés a imposés aux tortionnaires de toutes les époques. Je ne crois pas d’ailleurs que l’auteur de « Où j’ai laissé mon âme » ait envisagé, même pour une seconde, la guerre comme une nécessité absolue et, surtout qu’il ait considéré « logique », avec le capitaine Degorce, l’absence de contrôle à l’intérieur de la hiérarchie militaire et le recours à la torture. Donc, je partage la façon de traiter l’argument de la guerre que Jérôme Ferrari a choisi. La guerre est parfois inévitable. Dans ce cas, on ne doit pas la transformer en tabou. Mais comme dans la paix, aussi dans la guerre tout homme civilisé, qui se soucie du bien de l’humanité, devrait s’attendre le respect de règles cohérentes avec le droit à la vie et à la dignité humaine.

Ce n’est peut-être qu’à cause de mes lectures désordonnées qui me font sauter de Ferrari à Saramago et de Carole Zalberg à Victor Hugo que je trouve une extraordinaire affinité, au fond, entre ce livre et le « Quatre-vingt-treize ». De façon directe et naïve, le grand Hugo essayait dans son roman de comprendre sinon de justifier les raisons en lutte des révolutionnaires de Robespierre et des Vandéen, fidèles à la royauté. Ce n’est pas le cas de Jérôme Ferrari, qui risque – en équilibriste, selon Stéphanie Joly – une reconstruction « de l’intérieur » qui ne peut pas éviter de « traverser le désert » des idées reçues, des phrases typiques, des justifications autorisées, et cetera.
Mais enfin, comme Hugo — qui dans « Quatre-vingt-treize » faisait voyager de pays en pays l’énorme échafaud de la guillotine, qu’il ne pouvait pas accepter —, Jérôme Ferrari conduit discrètement le lecteur dans ce désert où, apparemment, deux visions de la vie et de la guerre se contrastent entre elles. Mais enfin, au point clou de l’histoire, lorsque Degorce consigne le commandant de l’ALN Tahar à Andreani, bien sachant qu’il le tuera, au point où Degorce perdra définitivement l’âme, pour devenir lui aussi un assassin avec licence de tuer… à ce point-là, on comprend que la capitaine Degorce a longuement, trop longuement cultivé la chimère de sa diversité, de son penchant pour le bien qui le rendait différent des autres.
Mais cette triste conclusion ne veut pas dire que tous les hommes sont des assassins ou de tortionnaires potentiels. La démonstration est dans le comportement de Tahar et de toutes les victimes qui n’ont pas peur de mourir. Parce que mourir – ou partir — est, en certains cas, une solution, si l’on veut se soustraire à la complicité avec le mal.

Giovanni Merloni

L’obsession fondatrice des ateliers d’écriture dans « Incident de personne » d’Éric Pessan

« Incident de personne, je pense. Je ne suis personne, je ne vous ai même pas donné mon prénom. Une vie d’oreille, quelques heures de paroles et je retombe dans l’oubli. Par ma ruine, peut-être, pour la première fois, je deviens quelqu’un, j’hérite de ma propre histoire ». Voilà une des clés qu’on nous a offertes pour comprendre la vie d’un écrivain épuisé, débordé des histoires des autres dont il ne veut ni ne peut s’approprier. Un homme qui dans son énième voyage de « retour », comme Ulysse, pousse son besoin de passer inaperçu jusqu’à dire : je ne suis personne. J’ai vu l’écrivain et dramaturge Éric Pessan « en personne » le dernier jeudi 10 avril (2011), à la Terrasse Guttenberg. Dans cette prestigieuse librairie du XIIe arrondissement, Carole Zalberg se charge de présenter une génération d’écrivains français ou francophones — à l’âge compris entre les 35 et les 45 ans à peu près —, qui ont acquis déjà un certain succès, qui sont publiés par d’importantes maisons d’édition en France et qui, surtout, brisent l’écran en rejoignant un nombre de plus en plus élevé de lecteurs passionnés (j’y ai pu apprécier entre autres Stéphanie Hochet, Nathalie Kuperman, Maylis de Kerangal, Jerôme Ferrari et Carole Zalberg). Le travail de Carole Zalberg, toujours très intéressant, va largement au-delà de ce que font normalement ceux qui s’occupent de la présentation des livres dans les librairies, non seulement pour sa capacité de fouiller dans les textes et d’y reconnaître le sens profond, mais parce qu’elle se charge de lire — ou parfois relire — presque tous les textes de l’auteur qu’elle a invité. Cela dit, j’avais particulièrement apprécié en Carole Zalberg sa façon de s’adresser à l’auteur de « Incident de personne ». En fait, au lieu de raidir le débat dans une série de demandes-réponses, Carole Zalberg a su trouver la clé pour faire sortir l’homme de son coin. Car grâce au feu croisé des questions posées par la modératrice, Éric Pessan, — au début en léger retrait, comme quelqu’un qui n’a pas trop d’envie de parler de soi, en coïncidence aussi avec ce que nous dit, jusqu’à moitié livre, le protagoniste de « Incident de personne » —, il a bientôt ouvert ses portes au dialogue, jusqu’à « vider le sac » dans les derniers moments de la soirée. J’ai réfléchi à cela quand j’ai fini de lire ce livre intéressant et par certains aspects, « diabolique ». Il m’a rappelé la position assez critique d’Éric Pessan au sujet de l’autobiographie. Oui, je suis d’accord. Il y a plein d’autobiographies qui révèlent un côté fastidieux, vulgaire, narcissique et répétitif de la vie personnelle des auteurs. Cependant, me dis-je, on ne peut pas se passer de l’autobiographie, personne ne le fait, même en essayant tous les trucs de fiction et de langue pour disparaître ou pour devenir anonyme. Le personnage sans nom ni prénom de ce livre — où d’ailleurs l’on ne trouverait pas d’autres noms ou prénoms, comme l’on ne trouve de lettre « e » dans « La disparition » de George Perec — se présente comme un « produit » de ce qu’il fait, de son travail d’animateur d’ateliers d’écriture. Cette obsession des textes-vérité que les participants aux ateliers tôt ou tard l’obligent à lire, est un des motifs primordiaux de ce roman qui décrit une journée passée dans un TGV arrêté au milieu de la campagne — entre Paris-Montparnasse et Nantes — à cause d’un « incident de personne », très probablement un suicide. Si le train n’avait pas été arrêté, le voyageur sans nom — le « je » qui va nous confier petit à petit sa vie — n’aurait pas parlé à sa voisine, ne lui aurait pas avoué, dans un « crescendo » dramatique et pathétique aussi, son pessimisme du moment, le bilan catastrophique de sa vie que pourtant contredit l’intérêt qu’il révèle avoir pour les autres humains. Dans ce roman, qui confie à la fiction un rôle très important — dans le présupposé acquis que la fiction est l’ennemie numéro un de l’autobiographie —, Éric Pessan a choisi d’abord une écriture très simple, dépourvue surtout de lyrisme et de rhétorique, qui procède dans un manque de sensations ou bien qui contient plusieurs petites ou grandes sensations, mais qui trouve son élément de continuité dans une espèce de calme obligé, de silence lunaire. C’est probablement la métaphore du train, qui ne symbolise pas seulement, ici, le mouvement inconscient et l’arrêt sans informations. La séparation du train du monde au dehors et, à l’intérieur du train, la contrainte des mouvements limités est très efficacement représentée par ce monologue presque murmuré, par cette sensation de « filtre » opéré par le train, le voyage, la distance et l’être une communauté d’étrangers qui se déplacent de A à B. Mais cette magistrale « absence de sensations » est aussi la leçon que le maître va apprendre aux élèves des « ateliers » et à soi-même : une écriture sans éclats, égale, qui coule comme le train en course folle ou aussi comme le train lorsqu’il est arrêté, immobile. Un mur blanc pour des étagères colorées, une page blanche pour accueillir les « faits » qui peuvent déclencher l’émotion, l’imagination. Un train sans moteur, ou un train avec le pilote automatique, pour redonner aux personnes — « qui ne sont plus des personnes » — l’envie de se connaître, de se parler, de se toucher. Une fois maîtrisée cette impression initiale d’un projet « parfait », un peu froid et distant, que l’auteur aurait dessiné « avant » de se plonger dans l’écriture et de s’y risquer, on peut apprécier de plus en plus les éléments qui font démarrer la conscience de soi et le courage de vivre dans ce narrateur anonyme. Il se dit d’abord incapable de parler de soi, puisqu’il est désormais occupé — jusqu’à la saturation — par les histoires d’autrui, mais après tout semble le contredire. Le principal élément de cette prise de conscience est lié à un fait tout à fait externe à la vie du protagoniste. Un « accident » plus qu’un « incident » de personne, mais aussi absurde et bouleversant que celui du suicidé sur la voie ferroviaire. C’est une histoire dans l’histoire, synthétique et poignante, qui se déclenche au cours du précédent voyage à Chypre, pour un stage d’atelier d’écriture théâtrale, dont ce retour à Nantes n’est que la dernière étape. (Au cours de la rencontre à « La terrasse », Éric Pessam nous a raconté être effectivement allé à Nicosie, ouvrant ses yeux de français sur un monde « exotique », intéressant surtout par sa différence éclatante par rapport à la plupart des endroits civilisés d’Europe.) Le protagoniste du livre parle de cette aventure chypriote comme d’un dernier essai, d’une occasion ratée de remettre debout sa vie vouée à l’échec. Il se prend pour quelqu’un qui a avalé tellement d’histoires personnelles dans les textes-confessions de ses élèves, qu’il en est à la fin comblé jusqu’à la nausée. Ce trop-plein d’histoires — et d’émotions — le rend finalement héroïque, ou bien lui donne l’occasion pour lâcher prise, pour s’abandonner au vagabondage dans les rues très incommodes de Nicosie, comme un nouveau Jack Kerouac. Mais, au milieu exact du livre il y a la scène clou. Cet homme dépourvu de besoins et presque de personnalité devient tout à coup agressif avec le patron d’un local de Nicosie, avant de rencontrer le frère cinquantenaire d’un patriote tué par balle lors de la révolution chypriote de 1974. Cet homme lui consigne « oralement » son histoire. Son frère a été tué à froid, dans des circonstances incroyables et surtout inacceptables. Plusieurs années se sont écoulées, ce monsieur n’a pas réussi à se libérer du cauchemar du frère tué « sans une vraie raison ». Il consigne sa vérité à l’écrivain, qui voudrait vite s’en éloigner. Mais le soir ce monsieur se suicide, lui aussi, avec une balle dans la tête. Et tout de suite après l’écrivain reçoit un paquet qui contient une douille. La douille qui aurait tué le jeune frère en 1974. Ces deux balles font un intéressant « controcanto » au corps du suicidé du train, dont l’homme sans prénom imagine de temps en temps les possibles retranchements. Elles font aussi renverser l’esprit du livre, lui donnant de la couleur au fur et à mesure qu’on s’approche du terminus et de la fin du voyage. Après avoir raconté le drame de ce meurtre « à froid », dont il se sent obligé à se charger, comme si c’était sa propre vie en jeu, le voyageur raconte enfin à sa voisine d’épaule ses difficultés, ses rapports brisés avec ses parents, son échec qui lui semble peut-être infranchissable. Il finit pour « vomir » son histoire personnelle, voire son autobiographie, comme tous les autres. Même dans un train aux fenêtres bloquées il y a donc toujours des fentes, des ouvertures, des portes étroites au-delà desquelles on peut se sauver ou vivre quand même une vie heureuse, heureux de soi. En ce livre — au-delà de l’épisode clou de Nicosie —, je reconnais deux autres fentes, au moins. En premier, le rôle bénéfique de la voisine, qui parle peu, ne se dérobe pas ni s’élance. Un interlocuteur positif, qui probablement ne se sentira pas combler par tous ses histoires, n’arrivera pas à cette nausée. Car la communication « orale » du voyageur à sa compagne n’a pas de filtres, elle est directe et réclame, au fond, une réponse d’attention « amoureuse ». En deuxième, une image qui vaut seule la lecture du livre (on pourrait l’écrire sur le guide Michelin) : la mère qui se jette du premier étage d’une maison assiégée, en Afrique, un enfant à chaque bras. Elle dit : « Je n’avais que deux bras », car elle n’a pas pu sauver deux autres enfants qui sont restés bloqués, dont on ne connaît pas le destin final. Ce n’est que le conte d’une adepte d’un atelier d’écriture qui toutefois me rappelle la mère héroïque de « Quatre-vingt-treize » de Victor Hugo, en me donnant enfin la confiance que cet auteur intelligent et plein d’énergie ne soit pas vraiment convaincu que l’autobiographie — du moins une autobiographie douée d’une force narrative et poétique — soit nécessairement le principal ennemi de la littérature.

Giovanni Merloni

« Roma enigma » de Gilda Piersanti : raison et sentiment dans le délit parfait

« Roma enigma » (2010, Éditions Le Passage, 217 pages) de Gilda Piersanti — écrivaine italienne qui vit depuis plusieurs années à Paris et qui écrit en français —, est le dernier « polar » qu’elle a signé d’une série de plus en plus apprécié en France. Quelles sont-elles les raisons de la fidélité d’une multitude de lecteurs et de l’attention de la critique littéraire, donc de la fortune des romans de Gilda Piersanti ? J’essayerai de le dire à travers un commentaire de ce « Roma enigma » qui m’a vraiment touché, soit pour la « perfection » de l’écriture qui largement dépasse la « perfection nécessairement imparfaite » des deux meurtres — celui de Monica Pecorelli, une jeune étudiante de l’université Roma Tre ; celui de Lucetta Baldelli, une dame âgée qui vivait seule au dernier étage de l’immeuble où se trouve le théâtre Palladium — , soit pour cette « traduction » et ce « déplacement », dans la langue française et dans l’esprit même des lecteurs francophones, d’une situation réelle qui se passe à Rome, à la Garbatella, un quartier qui a une physionomie très particulière, qui est donc difficile à décrire au dehors des clichés et des idées reçues.
Je ne sais pas si un écrivain italien qui s’appliquait à écrire en italien une histoire pareille serait capable de ce miracle : on lit en français et on est à Rome ! On est là, cela est sûr et moi — qui connaît assez bien les lieux et les gens dont le livre parle — je l’atteste. Car « Roma enigma » ce n’est pas seulement une reconstruction de la mémoire ou, comme il arrive souvent, une « reconstitution » d’un milieu pour y faire vivre une histoire.
Gilda Piersanti habite Paris et se déplace à Rome pour chaque livre, je crois pendant beaucoup de temps. Elle a une capacité extraordinaire de s’approprier du « genius loci » du quartier qu’elle choisit pour ses romans polars où la psychologie est autant essentielle que la vérité de l’histoire qu’on y raconte.

Elle parvient donc à ce miracle, autant important pour une pièce dramatique que nécessaire pour un roman polar qui a toujours besoin de s’appuyer sur une réalité crédible. Je connais la Garbatella — lieu du délit et des actions successives, jusqu’au dénouement final — pour y avoir travaillé longtemps, pour m’y être longuement promené, pour l’avoir librement découverte dans ses montées et descentes, ses petites places, ses architectures bizarres et colorées ; je connais aussi bien la zone de la pyramide de Caio Cestio, le cimetière des Anglais, le quartier de Testaccio, le Lungotevere et — de l’autre côté de la pyramide — le quartier du Gazometro et des anciens Mercati Generali, où sont maintenant installées certaines facultés de l’université de Roma Tre. Et je confirme ce que je disais avant : on ne pouvait faire mieux pour « ressusciter » le présent et le passé de ce quartier.
La Garbatella poussa comme un champignon dans les années vingt sur les collines qui surmontent l’emplacement de la basilique de Saint-Paul. Le quartier surgit justement pour héberger une population nombreuse de Romains forcés à se déplacer des anciens bourgs que Mussolini avait détruits devant Saint-Pierre pour y réaliser l’axe vide de la rue de la Conciliazione. C’était en fait un endroit à l’architecture jolie, mais qu’on considérait auparavant « difficile », perturbé, malfamé aussi, peut-être à cause de son égarement au-delà de l’anneau ferroviaire, dans un territoire à l’origine inhabité et presque abandonné. Un quartier quand même « glorieux », qui eut un rôle dans la résistance aux Allemands et aux fascistes à la fin de la Deuxième Guerre mondiale, très proche en plus à ces Fosse Ardeatine où trois cent trente-cinq personnes furent tués et jetés l’une sur l’autre dans une cave naturelle transformée en fosse commune.
Tout cela était présent dans l’inspiration de ce livre où raison et sentiment se mêlent, se contrastent et enfin s’équilibrent réciproquement. Mais revenons donc à cette histoire qui se déroule justement à la Garbatella, aux personnages impliqués dans l’enquête de la Questura de Rome, à l’inspecteur Mariella De Luca, qui la dirige de façon très personnelle. Nous avons affaire à un « crime parfait » qu’on connaît du commencement de l’histoire. Gabriele Pollastrini, un jeune homme qui n’a pas encore vingt ans, placé au dernier étage de l’immeuble du théâtre Palladium, pointe sa carabine en direction des gens qui entrent et qui sortent de la pâtisserie Damiani, place Bartolomeo Romano. Il attend la sortie de Lucetta Baldelli, qui sort comme tous les jours à cette heure du soir avec une petite boîte à la main. Tandis que Lucetta sort, essaye d’entrer dans le local Monica Pecorelli. « Gabriele ferme les yeux et il tire. » Mais une monnaie est tombée à terre, Lucetta a essayé de la cueillir et dans la trajectoire du fusil une innocente s’est trouvée, encore plus innocente que la victime prédestinée.
On peut, je crois, raconter cet « incipit », même dans un roman noir, car cette circostance est connue depuis la première page, ainsi que le contenu de la petite boîte : des choux à la crème — appelés à Rome les beignets de Saint-Joseph —, qui seront après l’obsession de l’inspecteur Mariella De Luca, personnage clou de toute la série de « meurtres romains » signés par Gilda Piersanti. Ces choux, confort de chaque dîner de cette dame, elle n’aura pas le temps de les manger…
Le lecteur connaît tout, dès les premières lignes, il assume donc un rôle tout à fait nouveau et même une responsabilité morale. Il est mené d’un côté à juger sur la rapidité et la bravoure des enquêteurs et de l’autre côté à s’attendre une certaine logique des faits et des explications du crime, jusqu’au dénouement final.
On verra à la fin de la lecture que l’auteure de ce roman a voulu défier le lecteur et soi-même et qu’elle a gagné. Non seulement par la séquence d’évents qu’on ne pouvait imaginer facilement — comme c’est le cas du tête-à-tête final entre l’inspecteur et l’assassin qui provoque un véritable renversement de toute logique apparente —, mais surtout grâce à cette vérité des personnages et de l’ambiance où le drame se déroule.
Gilda Piersanti, à travers le personnage atypique de Mariella De Luca – un inspecteur artiste, imprévisible et apparemment solitaire — nous raconte la confusion et le hasard de toute enquête policière, mais elle nous dit aussi qu’il faut aller au-delà des raisons « logiques » — d’intérêt ou d’amour —, qui seraient toujours derrière chaque meurtre. Ou bien Mariella suit d’abord, avec son équipe et le lecteur, des pistes traditionnelles — l’amour, l’intérêt —, mais sa façon non bureaucratique d’aborder son cas lui donne la possibilité, petit à petit, d’arriver à soupçonner l’insoupçonnable. Le lecteur sait tout, peut tout prévoir au long de cette narration sans répit. Mais, puisqu’il sait que ce crime parfait sera forcément découvert, il est amené parfois à être compréhensif envers l’assassin. D’abord parce qu’avant de suffoquer sa victime prédestinée Gabriele Pollastrini tue par erreur une jeune fille de son même âge — Monica Pecorelli — s’en montrant troublé tout de suite après ; ensuite, à cause de la terrible histoire de Graziella — jeune antifasciste en fuite au temps du massacre des Fosse Ardeatine — murée encore vive avec Umberto, le père de Lucetta Baldelli, dans le sous-sol de l’immeuble où soixante-six ans après Lucetta habitait au dernier étage tandis que Gabriele son protégé, habitait avec sa mère Albina au premier.
Cette histoire terrible, qui rappelle Aida et Radames, Juliette et Roméo, aurait pu être une justification de la folie de Gabriele Pollastrini. Il avait voulu « venger » la punition vraiment exagérée que la mère de Lucetta avait infligée à son mari et à son amante.
Après cette « révélation » Gabriele cesse de plus en plus de se comporter, pour le bien et pour le mal, comme un meurtrier « professionnel », il devient distrait et accumule des fautes. Cependant, le lecteur, qui fait confiance à cette inspectrice et à son intelligence, s’accoutume à s’attendre un dénouement tranquille, comme si ce garçon de vingt ans ne voulait que ça. Il s’attend peut-être à une réécriture de « Délit et châtiment ».
Donc, on est troublés, même violemment, lorsque la nature folle et criminelle de Gabriele se révèle, dans les derniers chapitres, de plus en plus dangereuse…
En revenant alors aux pages précédentes on pourra marquer la précision des signaux que Gilda Piersanti avait placés le long de la route, dont le principal est le thème de l’homicide sans mobile. C’est vrai que pendant trois quarts du roman on ne parle que de l’enquête sur la mort de Monica, que le lecteur sait du commencement qu’elle était une erreur. Cependant, ce mot « sans mobile », qui revient souvent dans ce monde romain paresseux, viveur et frénétique à la fois, qui se base aussi sur le rappel d’autres meurtres du passé (Marta Russo, Pecorelli, Aldo Moro, et cetera), ce mot « sans mobile » sera la vraie réponse à nos interrogatifs et perplexités. Gabriele Pollastrini était un meurtrier « sans mobile » avant d’avoir un prétexte quelconque pour le devenir.
Gilda Piersanti, en dénouant l’histoire d’un délit parfait qui ne pouvait pas l’être, nous a donné un très beau livre, qui, grâce à son écriture parfaite, va bien au-delà des bornes d’un simple polar. « Roma enigma » est un roman très bien écrit, qu’aussi les Italiens devraient lire, après une traduction. Mais comment serait-ce une réécriture en italien, après cette « traduction » que Gilda a su si bien faire ?

Giovanni Merloni

Les Éphémérides de Stéphanie Hochet : une partition théâtrale

Dans mon précédant commentaire (« Les Éphémérides de Stéphanie Hochet : une apocalypse littéraire ») j’ai déjà présenté ce dernier roman que j’ai particulièrement aimé.
En feuilletant plus analytiquement les treize chapitres du roman, on s’aperçoit d’une structure « musicale » du roman qui respecte la suivante partition : 3 — 1 — 1 — 1 — 3 – 1 – 3.
Cette partition est dictée d’abord par les lieux évoqués dans les titres des 13 chapitres. D’un côté, les lieux où le centre drame se déroule (Écosse et Angleterre) ; de l’autre côté un lieu indirectement concerné (Paris) d’où l’on suit le déplacement en Écosse d’Alice et de sa nièce Ludivine.
Cela nous aide à découvrir une « partition théâtrale » du roman, homogène et cohérente avec l’esprit du drame — toujours le même depuis Shakespeare jusqu’à nos jours — qui prévoit 10 scènes et 3 intervalles :
3 (premier acte : Glasgow, Londres, Trossachs) — 1 (intervalle : Paris) — 1 (deuxième acte : Colchester Castle) — 1 (intervalle : Paris) — 3 (troisième acte : Trossachs, Londres, Glasgow) — 1 (intervalle : Paris) — 3 (quatrième acte : Highlands, Trossachs, Highlands).
Le lecteur s’apercevra, en tout cas, de quelques variantes à la logique que je viens de découvrir. Le premier acte, par exemple, très long par rapport aux autres, ne se borne pas à présenter les personnages, mais contient déjà en soi une grande partie de l’intrigue. Les « intervalles » se déroulant à Paris, se révèlent propices à « lancer » sur la scène du drame le personnage de Ludivine, qui, comme le Cherubin « farfallone amoroso » des Noces de Figaro, se mêlant partout, se révèlera aussi nécessaire que dangereux. Le deuxième acte, avec son esprit « on the road » a, lui aussi, une fonction d’intervalle ou de pause. Dans le troisième acte, on assiste au vrai dénouement de la « pièce » : le roman aurait pu bien terminer à la page 194. Les ultérieures quinze pages (intervalle et quatrième acte, où l’on n’entend plus la voix de Ludivine), confiées à la sagesse ironique de Simon Black et d’Ecuador, ont en tout cas la valeur d’un épilogue dramatique.

Premier acte
Le mot « Annonce » entre discrètement dans l’histoire que Tara va nous raconter : « Depuis l’Annonce, on a créé de nouveaux hôpitaux comme ils disent dans les média, des prisons pour aliénés disent les filles. Personne ne veut les soigner, à quoi ça servirait ? On les entasse et on les laisse beugler dans des salles sécurisées, des cellules matelassées fermées à triple tour. Qu’on cesse de les entendre, c’est bien suffisant. »
Petit à petit ce terme vague et solennel prendra corps et le lecteur aura enfin la perception d’une barrière physique. Dans une générale absence de couleurs, l’Annonce s’affiche d’abord sur un fond gris, ressemblant aux murs de l’atelier de Cézanne à Aix-en-Provence. Un fond tout à fait propice aux éclats de couleurs d’objets en mouvement, mais toujours cohérent avec cet hiver nordique qui ne lâche prise. En attendant le final, où l’apocalypse s’épanouit avec les premières fleurs de printemps, lorsque le deuxième protagoniste, Simon Black, sera foudroyé par une explosion de couleurs : « Les premières montagnes apparaissent, d’une beauté aride, partiellement recouvertes de neige. Ils traversent des étendues de bruyère fluorescente et des vallées occupées par des lacs comme des pupilles. L’essence des pins leur donne des hallucinations, jamais leur odeur n’a été si entêtante… Est-ce le printemps ? demande Ecuador. Tout est soudain si verdoyant. Ici, c’est un chêne transplanté du jardin de Sissinghurst Castle, là un prunier des abords de la mer Caspienne en pleine floraison. Simon, qui a connu le désert, sait qu’on peut voir un arbre debout, en pleine santé, au milieu de kilomètres de sable, la conséquence d’une graine que le vent a déplacée sur des distances peu communes. Il faut attendre encore quelques heures avant de voir un pommier en fleur, inspiré dans sa production de blanc et de rose jusqu’à la folie. »
Scène 1 (Glasgow). En dépit de l’Annonce et de ses premiers dégâts, Stéphanie Hochet nous donne des certitudes. Jusqu’à la fin, la vie continue. Tara travaille dans un club très exclusif de Glasgow, une grande ville jadis ouvrière à la même latitude d’Edimbourg, dans le côté ouest de l’Écosse. À nord de Glasgow, en suivant la Clyde, elle rejoint régulièrement une ferme très isolée dans les Highlands, où s’est installée avec son amante Patty, pas seulement pour profiter des beautés extraordinaires et mystérieuses du Loch Lomond et du grand Park National de  Trossachs, ou pour rester dans les lieux de son adolescence inquiète. « La ferme était un rêve de gosse, le sommet de quelque chose, la belle entreprise de ma vie devenue concrète avec des murs, un espace clos à moi, et les petites animaux réunis comme dans l’Arche de Noé… Il y faisait glacial la nuit, humide et froid la journée, on chauffait comme on pouvait avec un poêle à charbon. La bonne chaleur qu’on obtient de ces petits morceaux de pierre noire, le chauffage à l’ancienne, comme à l’époque de nos grands-parents. On croit en grandissant qu’on s’éloigne d’eux et c’est tout l’inverse. »
Tara va bientôt nous raconter qu’avec Patty elle s’occupe de l’élevage, même si interdit par l’État, de chiens — qu’elle appelle simplement par le mot anglais « Dogs » — faisant partie de la race particulièrement agressive des Dobermann. Comme on saura plus avant dans la lecture, cet élevage clandestin — dans une région assez reculée, de plus en plus difficile à rejoindre dans un paysage de « fin du monde » où les routes sont cassées ou bloquées — est très dangereux, puisqu’il rentre dans la délicate et inquiétante problématique des transformations génétiques des animaux.
Tara gagne du fric dans son club de Glasgow en jouant le rôle difficile de « prostituée sélective » : « Et elle ? demande le plus jeune en me regardant. Carie se retourne et me regarde. Oh, Tara, dit-elle en baissant la voix, c’est un peu spécial. Je me lève. Salue les messieurs, le plus jeune me suit dans l’escalier et une fois devant la porte de la chambre, j’explique en quoi consiste ma spécialité. »
Tara avoue enfin qu’elle attend Alice, une jeune Française à l’air « angélique » qu’elle avait rencontrée — et aimée — il y a trois ans. Après, elle s’interroge moins sur les prévisibles réactions de sa compagne Patty que sur la nature de ses sentiments envers Alice.
Scène 2 (Londres). À Londres, nous faisons connaissance avec le personnage sans doute le plus « sympathique » que Stéphanie Hochet ait créé jusqu’ici : Simon Black. Il est un artiste « maudit », mais gagnant avec ses « cris ensanglantés » gravés sur la toile de façon douce et violente en même temps. Il a souffert terriblement, pendant ses quarante quatre ans, très durs et intenses, en trouvant dans la peinture — qui rappelle évidemment Francis Bacon et Rembrandt mais aussi Munch — de l’apaisement et du bien être. Malheureusement, juste avant l’Annonce, il a su qu’il a un cancer dont il ne pourra s’échapper. Déjà son caractère sensible l’amènerait au fatalisme, à rater toute tentative de soin. Avec l’Annonce, qui fixe dans le 21 mars la date de la mort généralisée, il comprend qu’il ne mourra pas à cause du cancer, mais dans le même instant que ses concitoyens : « Je débordais de joie. Pour moi qui étais déjà condamné, l’Annonce a rétabli une sorte de justice… Si l’espérance de vie est la même pour tout le monde ici, je ne me sens plus concerné par cette maladie, il m’est permis de l’ignorer, une raison supérieure l’annihile. » Ce constat lui donne l’insouciance nécessaire pour « chercher une compagnie », qu’il trouve aussitôt, de façon aussi banale que miraculeuse : « Le lieu est presque désert. Seule une femme est assise à une table, elle se sert du champagne et boit avec avidité. Ses cheveux ont été attachés en une sorte de chignon africain — je ne saurais dire depuis quand, sans doute plusieurs jours, la coiffure est légèrement défraichie.  Un nez un peu fort mais ses traits son beaux, ses sourcils fournis. Le regard ne vous rate pas, il vous traque, vous êtes sa proie. Elle est très maquillée. Je tombe immédiatement amoureux. »   La femme s’appelle Ecuador : pour un instant le centre de l’histoire cesse d’être, pour lui, cette Grande Bretagne agitée, verte et grise. Il s’est déplacé au centre même de la planète. D’ailleurs, chaque homme cherche toujours son centre et, dès qu’il le trouve, ne voudrait plus s’en éloigner : « J’ai un haut-le-cœur. Ecuador ne dit plus un mot, elle joue avec ses bagues, les tourne d’avant en arrière sur ses doigts. Reliquats de sa fortune, l’émeraude et la résine ornent ses mains. Au bout d’un certain temps, j’aperçois les vallons, l’herbe grasse, le vert violent de la campagne, parfois un cottage émerge du décor comme un champignon poussé en une nuit ; à cette distance, il ressemble par sa forme et sa taille à une maison de poupée… J’aime qu’elle continue à jouer avec moi. Et si sa légèreté était mon antidote ? »
Scène 3 (Parc de Trossachs). Dans la ferme de Trossachs, Tara ne rencontre aucune difficulté à faire accepter à Alice l’élevage des chiens et imposer à Patty la présence d’Alice. Elle peut rêver de ce qui se passera le jour fatal : « Dehors, les Dogs se sont couchés les uns contre les autres, pelotonnés, museau contre le flanc, grognant dans leur sommeil, ronflant, ils ont rendez-vous avec le dieu des rêves, une créature ailée qui les guide vers un monde où ils entrevoient ce qu’ils seront bientôt : les gardiens d’un univers dont personne ne connaîtra les contours car leur vision n’atteindra pas l’étrange voûte traversée de nuées ardentes et de tourbillons d’oiseaux voltigeant sans espoir, un monde magnétique sans fin ni logique. Un jour, les Dogs plongeront dans la Clyde, à l’heure du crépuscule, instinctivement, ils trouveront leur chemin et ils se réjouiront d’atteindre les berges de ce nouveau territoire, leur terre promise qu’il nous faudra la leur céder, et ceux qui voudront résister seront démembrés, déchiquetés, dévorés. Je serai heureuse, ou plutôt ce qu’il restera de moi sera heureux car ces créatures-là seront celles que j’ai élevées et chéries, elles me devront la vie, je continuerai de les aimer où que je sois, elles seront ma gloire, ma descendance en esprit. Et Patty sera aussi heureuse que moi ».

Intervalle
Ce qui se passe à Paris, loin de l’épicentre de l’apocalypse, n’a pas de conséquences directes sur l’histoire (se déroulant de façon itinérante, comme Roi Lear, entre Angleterre et Écosse). On fait connaissance d’un autre « je ». On comprend tout de suite qu’on a affaire avec une figure mineure, même si nécessaire. Elle est la sœur d’Alice, Sophie. Complètement prise par son enfant unique Ludivine, elle essaie de la protéger, en la dérobant aux possibles contre coups de l’Annonce. Mais… « Ludivine est-elle heureuse ? C’est la question la plus grave, la plus lourde, la plus sensible, la plus forte, la plus incontournable. Je ne peux pas poser directement cette question. Ça ne se fait pas. Je retiens ma respiration. J’avale ma salive. Je continue d’avaler ma salive et l’acte devient un tic, inévitable. Me rend malade. »

Deuxième acte
Scène unique (Colchester Castle, à est de Londres). Simon Black et Ecuador reviennent de Colchester Castle à Londres, à travers un pays sens dessus dessous. C’est une parenthèse en plusieurs sens, qu’au temps de la Révolution Française on aurait appelé « le « marais » : « Greenwich et Newham partent en fumée. Le vent s’est levé et a dispersé les colonnes régulières. Couleurs grises, noires, blanches pour Greenwich, et des morceaux de je ne sais quoi propulsés dans l’air, toutes sortes de matériaux détruits ; nous commençons à sentir l’odeur, une drôle d’odeur, âcre, qui reste dans la gorge et m’évoque un souvenir que je chasse sur-le-champ. » Ensuite Ecuador s’en va : « …elle démarre en trombe, indifférente, n’était ce petit geste de la main… J’ai reçu une lettre. Je reconnais l’écriture de Tara… Elle m’assure qu’elle n’a plus besoin de mon argent, qu’elle se débrouille plutôt bien maintenant, et que si je veux passer la voir à la ferme dans les jours qui viennent ou dans les prochains mois (souligné) autour du 21 mars, ce serait l’occasion, je suis le bienvenu. Je souris. Je n’avais pas la tête à revenir sur la terre de nos ancêtres… » Après il peint, il prend une douche, entend des hurlements. « Un dans mon bâtiment, l’autre dans la rue. Ne l’égorgez pas ! Ne l’égorgez pas ! criait un homme derrière le mur. Quand, dans la rue, un son n’avait plus rien d’humain, j’ai cru qu’on abattait un animal. Ensuite des voix, un fort accent cockney, une bagarre — est-ce une bagarre ? — respirations saccadées et bruits amortis de coups… les sons s’évanouissent en un claquement de doigts, étrange expérience qu’on dirait venir d’un film ou de la lecture d’un scénario… Dix minutes passent. Je reçois un coup de fil. C’est Ecuador. La vie est sublime. Toutes les rigueurs l’embellissent. Elle n’a jamais été ainsi belle. La violence déploie son esthétique grandiose dans la cité, je suis mille fois vivant. »

Intervalle
Exactement au centre du roman un affrontement téléphonique entre Sophie et sa soeur Alice s’achève avec une victoire de cette dernière: Ludivine partira en Écosse où sa tante l’attend. Cette décision, incroyable à peu de temps de la date fixe par l’Annonce — aucune mère se séparerait de son enfant en un cas semblable — suggère au lecteur une certaine méfiance : pourquoi une mère hyper protectrice accepte une chose comme ça ? « Ma chérie, écoute la bonne nouvelle. Tu vas pouvoir rejoindre Alice en Écosse qui va te montrer de jolies choses. Ça te dit, des vacances là-bas ? Tu sais c’est très beau, il y a des montagnes et des grands lacs. Est-ce que tu seras prudente, ma fille ? Tu me promets que tu te nourriras bien et que tu téléphoneras à maman ? Viens dans mes bras. Non, je ne pleure pas, je suis très contente pour toi, tu sais, quand j’étais petite, je n’ai pas eu la chance de voir d’aussi beaux paysages. Tu raconteras ce que tu as vu à maman, pas vrai, ma chérie ? »

Troisième acte
Scène 1 (Trossachs). Ludivine rejoint sa tante Alice, Tara e Patty à Trossachs ; « La fin du monde ! Raconte ! Raconte ! a-t-elle répété frénétiquement… Elle ne tenait pas en place, son petit visage tendu vers nous, elle nous fixait à tour de rôle avec fureur et plaisir… Dis-lui que la fin du monde, ça n’existe pas, a dit Patty. Tu en as de ces formules, toi… Alors, j’ai pris sur moi et je lui ai appris ce qui était censé se passer le 21 mars. La gamine m’a fait répéter la date… Le 21 mars ! s’est exclamée la fillette. Ah non, alors ! C’est le lendemain de mon anniversaire !… Patty a éclaté de rire et je l’ai imitée. La gamine a demandé des détails… Au point on en est… a dit Alice en haussant les épaules. Je n’ai jamais vu une enfant aussi attentive, les yeux fixes, la bouche grande ouverte, elle a immédiatement tout compris. Je pourrais jurer qu’elle n’a pas eu peur une seule seconde. »
Scène 2 (Londres). Simon Black emmène Ecuador dans son atelier de Londres. Là, Ecuador lui confie l’état d’âme qu’elle a finalement conquis : « Notre fin prochaine m’a libérée de cette pathologie. Je dois être une des seules personnes à etre incroyablement soulagée. Débarrassée de toutes ces scories qui pullulaient dans ma tête, mon corps ne me sert plus qu’à jouir…Elle ne sait pas ce que j’ai, ce qu’on m’a annoncé il y a six mois. Pourquoi lui en parler ? Cela n’a plus de sens. Moi non plus, je n’ai plus peur. Il n’y a que les vieillards pour consacrer la fin de leur vie à la plainte, et exhiber les symptômes de leur maladie, c’est un vice du troisième âge, comme la nostalgie ou les troubles de la mémoire, la fragilité osseuse et l’approbation des politiques sécuritaires. Je n’ai aucun besoin, aucune envie d’en parler, je n’ai pas cet âge-là. Je suis d’autant plus jeune que aime Ecuador. J’ai vieillis d’autant moins que je vais mourir dans la fleur de l’âge. Quarante-quatre ans… La rue s’est finalement calmée, le clair-obscur verdâtre envahit la pièce comme une odeur. Je me lève, saisis l’instrument-cri que je jette dans le vide-ordures. De retour sur le canapé, je me sen infiniment mieux. Ecuador s’est allongée, je la rejoins, m’étends près d’elle, et le désir reprend. »
Scène 3 (Glasgow). Tara emmène Ludivine dans son club à Glasgow. Là-bas, la petite apprentie sorcière connaît un des clients de Tara, qui lui donne un produit qu’on ne devrait pas confier à une enfant de neuf ans… qu’après se trouve à l’épicentre de l’apocalypse dans la ferme de Trossachs. « Selon l’Annonce, il ne reste qu’un matin… Tous les Dogs se sont enfouis à l’exception de Nabu. Il est environ dix heures quand je vois la mioche filer en direction des chenils… Doucement l’enfant lui caresse le bout du mufle, et Nabu, qui ne tolère que moi d’habitude, se laisse faire… Le téléphone sonne. C’est la mère de Ludivine, elle est morte d’inquiétude, elle veut qu’Alice la rappelle tout de suite, dit Patty en entrant dans la cuisine. Est-ce que j’ai vu Alice ? Oui, dans la chambre. Merde, s’exclame Patty. Putain, regarde ce que la gamine est en train de faire !… Quelque chose que nous n’avions pas envisagé est en train de se réaliser. »

Intervalle
À Paris on respire une angoisse incontournable. Sophie, restée seule avec son mari Bernard, ne peut pas se résigner à affronter l’évènement annoncé sans Ludivine. « Sophie ! Qu’est-ce que tu sous-entends là, que j’aime moins Ludivine que toi ? Ne joue pas à ce jeu là, on n’en a déjà parlé, on a pris cette décision ensemble, l’envoyer en vacance dans cette belle région avec sa tante qu’elle adore, c’était la bonne idée ! Tu crois que dans ton état tu es capable de t’occuper d’elle sans la rendre malade d’angoisse ? »

Quatrième acte
Scène 1 (Highlands). Simon Black, avec Ecuador, essaie de rejoindre sa cousine Tara et aussi le lieux de sa jeunesse. « La dernière route leur fait longer la Clyde. Simon se souvient du fleuve. Du temps qu’il était gosse, il était fasciné par sa couleur métallique et les histoires mystérieuses qu’il charriait… Il savait que des gens y avaient disparus, certains repêchés, d’autres happés par la grande bouche fluide, emmenés loin, entre deux eaux ; il avait vu les cadavres des chiens, des chats, d’animaux sauvages, et Tara lui avait raconté des histoires de ce genre. Tara était plus jeune que lui mais elle l’impressionnait, elle racontait des histoires terrifiantes qui ne la rendaient pas moins méritante si elle les inventait. »
Scène 2 (Trossachs). Tara, Patty, Alice, Ludivine.
« Les Dogs ont quitté leur chenil. Ils courent. La lande les appelle. Ils sont affamés d’espace, de vitesse, de viande. Ils sont déjà des assassins. Un premier massacre a été commis. Je les ai perdus de vue. C’est fini, à peine eus le temps de leur dire au revoir… »
Scène 3 (Highlands). Simon Black, Ecuador,
« Ils ne sont plus très loin de la ferme de Tara, mais veulent-ils toujours continuer leur chemin ? Ecuador se tourne vers Simon, attrape sa main, et la pose sur son ventre. A-t-il senti ? Simon n’ose rien dire. Ecuador presse la main de son amant sur un début de rondeur. Un flot de sang monte au visage de Simon. Et les palpitations dans sa poitrine… Oui, dit-elle tout bas. Dans la tête de Simon ce oui résonne. Oui, oui, oui. Comme une parole d’amour. Il a compris qu’il serait père, il ne s’y attendait pas. Jamais il ne l’avait envisagé, et là, maintenant, dans ces circonstances, il trouve ça drôle soudain. Drôle, oui, ce bonheur déclenche le rire. Il rit et emporte son amante dans sa joie. »
Avec cette scène on voit que la fin, dans ce roman, est aussi une « naissance ». D’un côté la naissance d’un être dans le ventre d’Ecuador. De l’autre la naissance d’une nouvelle génération de chiens, de quelque façon fils d’une mère manquée, Tara.

Giovanni Merloni